La obra de Enric Sagnier i Villavecchia (Barcelona, 1858-1931) fue abundante y variada. El arquitecto diseñó a la par mansiones y casas baratas, iglesias i fábricas. Fue artífice de más de 500 proyectos, convirtiéndose en uno de los arquitectos más prolíficos de finales del siglo XIX y principios del XX.

La exposición La ciudad de Sagnier. Modernista, eclèctica, monumental, quiere dar a conocer al arquitecto y también profundizar en la difusión de su obra y el contexto histórico en que fue realizada. Así, podremos observar como contribuyó a modelar el barrio del Ensanche en Barcelona, además de realizar diversos edificios públicos de gran importancia como el Palacio de Justicia de la ciudad condal, el templo expiatorio del Tibidabo o el edificio de La Caixa d’Estalvis i Pensions en la Via Laietana.

Su estilo evolucionó con el paso del tiempo, desde un eclecticismo inicial en el que mezcla elementos para concebir sus edificios, a las influencias clásicas y modernistas a partir del siglo XX. Todo ello se muestra a partir de fotografias de la época, imagenes actuales de los edificios, periódicos, postales, maquetas y audiovisuales y un mapa donde se indican sus intervenciones.

La muestra se podrà ver en el CaixaForum de Barcelona hasta el 8 de enero de 2012.

El CaixaForum de Barcelona propone a partir del 20 de julio la muestra Retratos de la Belle Epoque. Esta expresión define las últimas décadas del siglo XIX y primeras del XX, momento en que la situación económica, política y cultural estaba en pleno cambio. Es cuando surgen el impresionismo, el post-impresionismo y el expresionismo y se gestaban las primeras vanguardias. En la exposición se podrán ver obras, entre otros, de Édouard Manet, Ramon Casas, Edvard Munch, Pierre Bonnard, Oskar Kokoschka, Egon Schiele, John Singer Sargent, Sorolla y Henri de Toulouse-Lautrec.

En la muestra Devorar París. Picasso 1900-1907 del Museu Picasso, nos cuentan hasta el 16 de octubre como el artista malagueño se convirtió en el líder de las vanguardias europeas. De como viajó a París y conoció la ciudad, su ambiente intelectual así como a los artistas más influyentes, hasta el momento en que él se convirtió en el artista que influiria a varias generaciones de artistas en todo el mundo. En la exposición, además de obras de Picasso procedentes de otros museos, podremos encontrar también de Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Auguste Rodin o Puvis de Chavannes.

Volviendo a Montjuic, el MNAC ha prorrogado la exposición Realismo(s). La huella de Courbet, hasta el 24 de julio. Tras visitarla la recomiendo, ya que no solo muestra la influencia del artista francés en la pintura catalana. La muestra, muy amena y bien explicada, también analiza la obra del principal artista del realismo español, Ramon Martí Alsina, y hace que nos remontemos al Siglo de Oro, donde nos descubre sus antecedentes a partir de pinturas de Murillo, Ribera y Velázquez.

A finales del siglo XIX el mundo del arte experimentó una revolución: empezaba el realismo y su principal artífice fue el pintor francès Gustave Courbet (1819-1877). Con el objetivo de mostrar sus principales obras y revisar cual fue su influencia en España, el MNAC nos presenta una selección de sus mejores pinturas, muchas de ellas con el añadido de estar expuestas por primera vez en nuestro país.

La exposición Realismo(s). La huella de Courbet, en cartel hasta el 10 de julio, nos muestra la influencia del artista francés en la pintura catalana a finales del siglo XIX, a partir de la obra de Ramon Martí Alsina, principal artista del realismo español. Además, remontándonos al Siglo de Oro, podremos descubrir sus antecedentes a partir de pinturas de Murillo, Ribera y Velázquez, y también sus distintas influencias hasta el arte contemporáneo.

Título: Lady Godiva
Artista: COLLIER, John Maler (1850-1934)
Fecha: 1897
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: The Herbert Museum and Art Gallery

John Collier forma parte de la llamada Hermandad de los Pre-rafaelitas, y aunque no fue díscipulo de ninguno de ellos, fue animado e influenciado por dos de sus miembros más destacados Lawrence Alma-Tadema y John Everett Millais. En este cuadro Collier representa a Lady Godgifu (God gift en inglés antiguo – regalo de Dios) que era el nombre con el que se conocía a Lady Godiva en el siglo XI. Esta noble anglosajona vivió entre los años 1040 y 1080 y fue la esposa del conde Leofric.

La pintura representa la decisión de Godiva tras pedirle a su esposo que rebajara los impuestos que había sobre el pueblo. El conde accedió, aunque con una condición: Lady Godiva debía recorrer el pueblo de Coventry a caballo, sin más indumentaria que su largos cabellos. Su decisión fue hacerlo, no sin antes acordar con los vecinos que estos se encerrarían en sus casas para no perturbarla en su desnudez.

El día elegido todos los vecinos de Coventry permanecían en sus casas y con las ventanas y puertas cerradas y cubiertas para no ver el exterior. Todos excepto el sastre de Coventry cumplieron su acuerdo con Lady Godiva, y a través del agujero de una persiana no pudo resistir observar a la condesa. La leyenda cuenta que al no cumplir su promesa se quedó ciego. Es a este sastre al que la tradición inglesa llama Peeping Tom (El mirón Tom). Además, la expresión pasó a designar en inglés a quien en castellano se llama mirón y en francés voyeur.

Como curiosidad, la prestigiosa marca belga de bombones Godiva Chocolatier debe su nombre y su logo a esta figura histórica.

Título: Ofelia
Artista: MILLAIS, John Everett (1829-1896)
Fecha: 1851-2
Medidas: 76,2 x 111,8 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Tate Britain, Londres

Esta imagen pintada por el artista inglés John E. Millais representa la trágica muerte de Ofelia y es una de las mejores representaciones de Hamlet, la obra escrita por el dramaturgo inglés William Shakespeare. Ofelia se vuelve loca y se suicida cuando descubre que su padre, Polonius, es asesinado por su amante, Hamlet. La muerte de Ofelia tal y como la pinta Millais no se representa en la obra de teatro, sino que se explica a través de una conversación que mantienen su hermano, Laertes y la reina Gertrude. La reina describe como Ofelia cae mientras cogía flores y se acaba hundiéndose en el río.

Los británicos John Everett Millais, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti fueron los fundadores en 1848 de los Pre-Rafaelitas. Aconsejados en los temas que trataban por el crítico de arte John Ruskin, el grupo rechazó el Renacimiento en un momento en que había vuelto a resurgir, apoyando el arte anterior a Rafael, Miguel Ángel y Leonardo. Este grupo se centró sobretodo en temas extraídos de la literatura, la religión y la historia pintando directamente de la naturaleza y prestando muchísima atención a los detalles.

Las técnicas usadas por este grupo de artistas resaltaban la luminosidad buscando la pureza del color y la definición de las formas para representar la naturaleza de la forma más realista posible.

Título: Convaleciente
Artista: SCHJERFBECK, Helene (1862-1946)
Fecha: 1888
Medidas: 92 x 107 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Ateneum Art Museum, The National Gallery of Finland

Cuando Barcelona organizaba su Exposición Universal de 1888 en la zona que hoy ocupa el Parc de la Ciutadella, Helene Schjerfbeck pintaba este cuadro. Tan solo tenía 22 años cuando lo compuso y con él ganó el primer premio en una exposición nacional de pintura en Finlandia dos años más tarde.

A lo largo de su vida viajó a Florencia, París y San Petesburgo gracias a las becas artísticas que le permitieron forjarse una trayectoria antes de conseguir que un marchante la representase. Dos años antes de morir se mudó a Suecia, dejando atrás su Helsinki natal.

Esta pintura de caracter intimista está inscrita dentro del movimiento simbolista finlandés del que Magnus Enckell es uno de los artistas más representativos y que caracterizó los inicios de Schjerfbeck, aunque más tarde experimentó con el cubismo en su etapa de madurez artística.

La obra representa una niña convaleciente mirando una flor que se recupera tras una enfermedad, un tema autobiográfico ya que la artista sufrió una caída de niña de la que nunca se recuperó del todo. El simbolismo en esta obra recae en tres elementos: la convalecencia, la flor y la luz. La niña enferma recuperándose mientras sujeta y observa con detenimiento una flor describe la nueva etapa en su vida que está a punto de empezar. Y la luz, que inunda la mitad de la habitación desde la derecha del cuadro, da esperanza para la recuperación.

Título: Eros y Psique
Artista: BOUGUEREAU, William (1825-1905)
Fecha: 1895
Medidas: 120 cm × 209 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Colección Privada

Estudiante de la Academia de Bellas Artes de París, William Bouguereau obtuvo también la prestigiosa beca de Roma en 1850. Fue contemporáneo al auge del impresionismo, por lo que la crítica no apoyó su arte entonces, concentrada en defender el nuevo movimiento.

Bouguereau representa varias veces el tema de Eros y Psique a lo largo de su trayectoria artística, como niños en 1889, como adultos en 1895 y también a Psique por sí sola.

Esta obra representa el triunfo del amor entre Eros y Psique tras superar la maldición de la diosa Venus. En el mito, Venus tiene celos de Psique y en un ataque de ira ordena a su hijo Eros que haga que se enamore de un monstruo, pero Eros se enamora de ella antes de cumplir el cometido de su madre. Después de varios intentos, Eros y Psique consiguen que los dioses conviertan a Psique en inmortal y permiten su boda.

Título: Una boda judía en Marruecos
Artista: DÉLACROIX, Eugène (1798-1863)
Fecha: 1839
Medidas: 1,05 m × 1,40 m
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Musée du Louvre, París

En diciembre de 1831 Délacroix abandona París con destino al Norte de África, un viaje del que conocemos casi todo gracias al diario del artista, a las cartas que dirigía a sus amigos y a los numerosos esbozos que dibujó. Este cuadro representa la boda judía a la que acudió como invitado durante su estancia en Marruecos y que influenció de forma innegable en su obra posterior.

Lo importante de esa pintura es la luz dorada que distribuye dos zonas en el cuadro, la que destaca a partir de la luz y las sombras. El artista conduce nuestra mirada por este patio, donde se desarrollará la boda pero la novia no está. En las sombras podemos apreciar el despliegue de su destreza técnica, del realismo con el que pinta las diferentes posturas, gestos y miradas. Además añade numerosas puertas y ventanas intentando suscitar nuestra curiosidad, sugiriendo que hay algo importante ocurriendo dentro del edificio (donde está la novia preparándose). Y en la pared de enfrente de esta habitación, él mismo se retrata de pie.

Su trayectoria como pintor está considerada una de las más importantes del romanticismo francés, y este cuadro representa la influencia del orientalismo -gusto de los occidentales por las culturas del norte de África, incluso se da cabida a España- en dicho movimiento.

Título: La balsa de la Medusa
Artista: GÉRICAULT, Théodore (1791-1824)
Fecha: Salón de 1819
Medidas: 491 cm × 716 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Musée du Louvre, París

Icono del Romanticismo francés, esta obra causó un gran escándalo en el Salón de 1819. Y es que a parte del tema espeluznante por sí mismo, un artista había representado por primera vez un hecho histórico contemporáneo sin un encargo previo, además de haber llenado la composición de figuras anónimas en un formato reservado a la pintura de los grandes sucesos históricos.

La imagen representada es un grupo de pasajeros del barco francés “Medusa” que sobrevivieron al naufragio cerca de la costa de la actual Mauritania. Construyeron una improvisada balsa que albergó a 149 personas, ya que no había suficientes botes salvavidas para la tripulación y el pasaje. Ya en mitad del mar, un barco de la marina francesa avistó a los náufragos pero no los recogió siendo estos presa del hambre, la sed, la insolación y las enfermedades. Trece días después, el 17 de julio de 1816, un carguero recogió a los 15 supervivientes que quedaban en la balsa y les devolvió a Francia.

Géricault pintó este cuadro como denúncia política y para dar a conocer un suceso que no llegó a la prensa en su momento. El gobierno de entonces lo había censurado impidiendo también que el artista lo expusiera en público. No fue hasta dos años después de los hechos que Géricault lo expuso en el Salón Oficial de París causando el gran revuelo social que el gobierno francés temía.

- El Mercat de la Boqueria era hace cinco siglos el convento de Sant Josep. Fundado en 1586 por la orden de los Carmelitas Descalzos, el lugar fue quemado durante la Desamortización de Mendizábal, en 1835. Después de esto se quería hacer una gran plaza porticada, de la que hoy todavía quedan las columnas rodeando el mercado.

- En la esquina opuesta al MACBA en la Plaça dels Àngels, se encuentra la antigua Casa dels Infants Orfes. Esta casa acogía a niños abandonados desde el siglo XVI, como indica la fecha de 1578 que hay encima de la puerta. En la parte derecha de la entrada, un cajón de caridad nos recuerda que la gente dejaba limosna para pagar a las nodrizas que criaban a los niños a cambio de dinero. Ahora es la sede del Centro de Estudios Internacionales de Barcelona.

- En la Plaza Vila Madrid, donde desde 1954 podemos ver la Necrópolis romana, existió el Convento de Santa Teresa. Las religiosas se establecieron en 1588, y en 1601 ya estaba construida la iglesia del convento, de la que más tarde fue cura Jacint Verdaguer, entre 1885 y 1892. Durante la Guerra Civil, se usaron unas galerías subterráneas del convento para construir un refugio antiaéreo y así proteger a la población.

- En 1401 se colocó la primera piedra del Hospital de la Santa Creu. Situado entre las calles del Carme y Hospital -que le debe el nombre-, se creó para aglutinar en un solo edificio los diferentes hospitales repartidos por Barcelona. Ahora comparten espacio la Biblioteca de Catalunya, el Institut d’Estudis Catalans, la Escola Massana, la Reial Acadèmia de Medicina y la Biblioteca de Sant Pau.