¿Qué es? La obra del fotógrafo Nick Veasey (Londres, 1963), que se caracteriza por tomar instantáneas a partir de los Rayos-X. Veasey retrata objetos de todo tipo haciendo que los veamos de una forma diferente a la que estamos acostumbrados, desde automóviles, juguetes infantiles o indumentaria, hasta elementos de la naturaleza como animales y plantas.

Esta muestra ha recorrido museos y galerías de todo el mundo como el Victoria&Albert Museum de Londres, el Roentgen Museum en Alemania, o la Maddox Arts de Londres, la Click Gallery de Nueva York o la Pierre Mahaux en Bruselas, entre muchas otras.

¿Dónde? En la Galería Tagomago de Barcelona (c/ Santa Teresa, 3).

¿Cuándo? Hasta el 12 de junio.

A día de hoy la película Polaroid ya no se fabrica, aunque iniciativas como The Impossible Project tratan de recuperarla y el próximo lunes habrá nuevas notícias sobre ello en una rueda de prensa que se celebrará en Nueva York.

Entre tanto sabemos que la amplia colección de instantáneas recopilada por el inventor de Polaroid, Edwin Land, se venderá en la casa de subastas Sotheby’s los próximos días 21 y 22 de junio en Nueva York.

Muchas de estas fotografías, cuyo valor total se estima entre 7,5 y 11,5 millones de dólares (5,5 y 8,4 millones de euros), fueron tomadas por algunos de los grandes artistas y fotógrafos del pasado siglo como Peter Beard, Chuck Close, William Wegman, David Levinthal, Robert Frank, David Hockney, Andy Warhol, Robert Mapplethorpe y, sobre todo, Ansel Adams, que está representado en esta muestra por unas 400 fotos.

Las Polaroid popularizaron la fotografia en la década de los cuarenta. Su origen está en un día de vacaciones de 1943 que Edwin Land y su familia pasaban en Santa Fe, México, y cuando al tomar una fotografía, su hija preguntó si podía verla en ese mismo momento. A Land le tomó sólo una tarde  diseñar el concepto de cámara fotográfica instantánea que por primera vez se vendería en unos grandes almacenes de Boston, Massachusetts, en 1948.

Desde aquí esperamos buenas notícias para el próximo lunes, y que la organización de The Impossible Project anuncie la recuperación de tan legendario sistema fotográfico!

Este mes de enero, los taxis de Nueva York cambian sus anuncios por obras de arte contemporáneo. 500 taxis de la ciudad participan en el proyecto “Art Adds” de la compañía publicitaria de Las Vegas Show Media, propietaria de la mitad de los anuncios de taxis en la ciudad americana.

Para organizar este proyecto Show Media contactó con la Art Production Fund –una organización sin fines lucrativos que promueve el arte en Nueva York– pidiéndoles ayuda en la selección de artistas. Tres, todos residentes en Nueva York, aceptaron participar en la iniciativa: la iraniana Shirin Neshat, el neoyorquino Alex Katz y la japonesa Yoko Ono.

Alex Katz parte de dos retratos de conocidos modelos, juntándolos sobre un fondo negro. La crítica social, política y psicológica de Shirin Neshat gira esta vez entorno a los orígenes de los taxistas neoyorquinos. Por último, Yoko Ono hace referencia a la paz a través del lema extraído de la canción de John Lennon “War is over” (La guerra ha terminado).

El Museo de Arte Moderno de NY (MoMA) presenta una retrospectiva sobre Tim Burton que aborda su carrera como director, productor y guionista, además de su trabajo como escritor, fotógrafo e ilustrador.

Desde sus dibujos de infancia hasta su arte más actual, la muestra presenta trabajos realizados durante la preparación de sus películas y pone énfasis en proyectos que no se han llevado a cabo y piezas nunca antes vistas.

Dibujos, pinturas, ‘storyboards’, muñecos, maquetas y vestidos se podrán ver junto a trabajos de sus años de estudiante y sus primeros films amateurs. A partir de referentes en la cultura pop, Burton usa diferentes métodos para dar forma a su obra llena de sentimiento, cinismo y humor agridulce.

Este es el anuncio que Tim Burton ha hecho para promocionar la exposición:

¡Qué cosas pasan en Nueva York! Desde el martes, los habitantes de la gran manzana habran hecho la compra o coincidido en la biblioteca con una astronauta. Sí sí. Es Alicia Framis, video-artista, fotógrafa y performer (Barcelona, 1967) presentando su serie de 14 ‘performance’ y una instalación, bajo el nombre ‘Lost Astronaut’. Y esto así de repente, ¿porqué? Pues resulta que estos días se celebra en la ciudad americana la tercera edición de ‘Performa’, la 3ª Bienal de Performances y Artes Visuales de Nueva York.

Que la artista se haya puesto un traje de astronauta, con sus tubos y su caparazón, tiene un motivo -y no es que se haya despistado celebrando Halloween una semana después-. Su aportación a la bienal es una reivindicación del papel de la mujer en la carrera espacial de los años ’60 y ’70. Cuando se cumplen cuarenta años de la llegada del hombre a la Luna, Framis se acuerda de que nunca ninguna mujer ha viajado hasta allí, aún habiendo muchas que se prepararon para ello. Es también una alegoría de la mujer en la sociedad, que no acaba de encontrar su sitio en un mundo dominado por los hombres.

Todo lo que haga esta astronauta hasta el 17 de noviembre, está predeterminado. Cada día sigue las consignas que autores, intelectuales y artistas invitados han escrito para el catálogo de esta obra de arte en movimiento. Podéis seguir a la astronauta perdida en Facebook y también en Twitter.

Título: Just What Is It that Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?
Artista: HAMILTON, Richard (1922-)
Fecha: 1956
Medidas: 26 cm × 24,8 cm
Técnica: Collage
Localización: Kunsthalle Tübingen, Alemanya

Una mujer pasa el aspirador por las escaleras. Un poco desplazado del centro, un hombre desnudo y musculado sostiene una gran piruleta en la que puede leerse POP. Casualmente le cubre los genitales. Justo en el centro, un magnetofono. Sentada en el sofá, una mujer densuda de estética pin-up tiene la cabeza cubierta con una pantalla de lámpara: está representada como la mujer-objeto. En la pared de detrás, un retrato clásico justo al lado de una página de cómic de grandes dimensiones, decoran el comedor. Y a través de la ventana, luces que anuncian un espectáculo de teatro. Sumado a todo esto, un jamón en lata a modo de escultura decora la mesita al lado de la televisión.

¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan agradables? es el título de este collage de pequeñas dimensiones, considerado la primera obra pop-art. La obra se hizo para la exposición This is Tomorrow celebrada en 1956 en la Whitechapel Art Gallery de Londres que tenia la voluntad de acercar el arte contemporáneo a todos los públicos.

Una pareja estereotipada, recortada de las revistas de moda del momento, en un dúplex de Londres con las últimas novedades en electrodomésticos y entretenimiento: televisión, cómic y reproducción de música. Todos los elementos que aparecen, la abundancia y el glamour, son una denúncia del paraíso consumista en un tono irónico, una de las características principales del pop-art. La capital inglesa junto con Nueva York, se convierten en los dos núcleos urbanos donde se desarrollará el movimiento.

El término Pop-Art aparece por primera vez en 1958 cuando el crítico de arte Lawrence Alloway (1926-1990) lo escribe asociándolo a la «popular mass culture» (cultura popular de masas) en el ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los medios de comunicación masivos), publicado en febrero del mismo año.

Obras de Richard Hamilton en el MoMA de Nueva York

Otros artistas del Pop-Art: Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Tom Wesselmann, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein.