La combinación de diferentes disciplinas artísticas siempre es un aliciente para los creadores. Este es el caso de la exposición En vers de Dona, que une poesía e ilustración a través de la interpretación que diferentes ilustradores han hecho de poesias escritas por mujeres.

Todos los poemas tienen un punto en común, y es la sensación de melancolia producida ya sea por el amor que todavía está por llegar, la distancia entre dos personas, la magnitud de una ciudad o por la pérdida de un ser querido. Para no perder la unidad producida por las palabras, las ilustraciones tienen también un unificador, en este caso la paleta de color que se mueve entre el rojo, el blanco y el negro.

La inauguración de la muestra -esta tarde a las 18:30h en el vestíbulo de l’Escola de la Dona- contará con la presencia de los ilustradores y podrá verse hasta el próximo 31 de marzo.

Un 8 de julio como hoy nacía una de las primeras mujeres artistas que vieron su trabajo reconocido en vida: Artemisia Gentileschi.

Nació en Roma en 1593, y fue hija del también pintor Orazio Gentileschi. Su padre le inculcó la técnica y la importancia del dibujo y de Caravaggio aprendió a distribuir el color, la luz y las sombras.

Artemisia fue la primera mujer en ingresar en la Accademia del Disegno (Academia del Dibujo) de Florencia y la única en ser tratada como igual a los grandes pintores contemporáneos del Barroco italiano.

Título: Convaleciente
Artista: SCHJERFBECK, Helene (1862-1946)
Fecha: 1888
Medidas: 92 x 107 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Ateneum Art Museum, The National Gallery of Finland

Cuando Barcelona organizaba su Exposición Universal de 1888 en la zona que hoy ocupa el Parc de la Ciutadella, Helene Schjerfbeck pintaba este cuadro. Tan solo tenía 22 años cuando lo compuso y con él ganó el primer premio en una exposición nacional de pintura en Finlandia dos años más tarde.

A lo largo de su vida viajó a Florencia, París y San Petesburgo gracias a las becas artísticas que le permitieron forjarse una trayectoria antes de conseguir que un marchante la representase. Dos años antes de morir se mudó a Suecia, dejando atrás su Helsinki natal.

Esta pintura de caracter intimista está inscrita dentro del movimiento simbolista finlandés del que Magnus Enckell es uno de los artistas más representativos y que caracterizó los inicios de Schjerfbeck, aunque más tarde experimentó con el cubismo en su etapa de madurez artística.

La obra representa una niña convaleciente mirando una flor que se recupera tras una enfermedad, un tema autobiográfico ya que la artista sufrió una caída de niña de la que nunca se recuperó del todo. El simbolismo en esta obra recae en tres elementos: la convalecencia, la flor y la luz. La niña enferma recuperándose mientras sujeta y observa con detenimiento una flor describe la nueva etapa en su vida que está a punto de empezar. Y la luz, que inunda la mitad de la habitación desde la derecha del cuadro, da esperanza para la recuperación.

Este año, el Festival Internacional de Arte Contemporáneo de Barcelona BAC! 09 también se llama “Pandora’s B.”. Su décima edición presenta el trabajo de diferentes mujeres artistas sobre temas como la política, la sexualidad o los sentimientos. Igual que los temas, las técnicas que usan son igual de variadas. Se desarrolla hasta el 3 de enero en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), donde encontramos pintura, videoarte, ilustración, net.art, fotografía, graffiti e incluso bordados, una técnica reivindicada en los últimos tiempos por diversas creadoras.

Pero en la exposición -hasta el 3 de enero y con entrada libre-, también presentan su trabajo hombres que firman con nombres femeninos como homenaje a todas las mujeres que a lo largo de la historia han adoptado pseudónimos masculinos para poder difundir su trabajo. Es el caso del graffitero Sixe que con su obra “Barcelona Neta” denuncia bajo el pseudónimo de Joana Paredes la dificultad de pintar en Barcelona.

En el último tramo de la muestra, titulado “Mujeres indomables”, el espacio está dedicado a proyectar las películas de las pioneras del videoarte. Desde obras como “At land” que Maya Deren realizó en los años cuarenta hasta la crítica social de Joan Jonas o Yoko Ono en los años setenta, pasando por artistas barcelonesas como Begoña Egurbide y Francesca Llopis.

Título: Desayuno en la cama
Artista: CASSATT, Mary (1844-1926)
Fecha: 1897
Medidas: 65,9 x 73,66 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Huntington Library Art Collections (San Marino, California)

Americana de nacimiento y francesa de adopción, Mary Cassat fue una de las componentes femeninas del grupo impresionista junto a Berthe Morisot o Eva Gonzales. Nació en Pennsylvania y estudió en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad antes de su viaje a París en 1873, donde pasó el resto de su vida.

En este cuadro la protagonista es la niña. Cassatt capta muy bien la actitud de los niños, retratandoles de una manera muy natural como en este caso, que la pinta sentada sobre la cama con la mirada perdida, mientras su madre la abraza mirándola.

Las mujeres del impresionismo, aun perteneciendo a un grupo muy vanguardista, no pintaban los mismos temas que los hombres, limitadas por una sociedad todavía muy masculina. Algunos cafés, espectáculos y distracciones cotidianas eran en su mayoria exclusivas para hombres, por lo que ellas no podían acceder y luego pintar sobre estos temas. Sólo les quedaba su entorno más cercano, y casi todas pintan la vida privada y el ambiente familiar. Por eso el tema de la mujer con sus hijos es recurrente y característico en Cassatt.

Sophie Henriette Gertrude Taeuber nace el 19 de septiembre de 1889 en Davos, Suiza. A partir de 1891 la madre y sus tres hijos, Hans, Erika y Sophie, se trasladan a Trogen, después de la muerte del padre por tuberculosis.

Muy pronto se interesa por el arte, y a los quince años empieza los estudios en esta dirección. Su estilo es abstracto, utiliza la geometría y juega con la simetría, dando mucho ritmo a sus composiciones. A menudo aparecen círculos y curvas, a diferencia de otros artistas abstractos que sólo usan línias rectas.

A partir de 1915 se establece en Zurich. Participava como bailarina en las fiestas que se celebraban en el Cabaret Voltaire, donde se gestó el movimiento Dada. En este ambiente, conoció a Jean Arp quien sería su marido. Ella tenia veintiseis años y él veintinueve años. Trabajaron conjuntamente creando los llamados “Duos”. Siempre estaban a la última, participando activamente en diferentes movimientos de vanguardia como “Abstraction-Création”, “Cercle et Carré” o “Allianz”. Además, Sophie fué editora de la revista Plastique, de 1937 a 1939.

En 1943, cuando esperaban para exiliarse a Nueva York, Sophie murió en inhalar gas de una estufa de carbón mientras dormía. Todo el reconocimiento que había obtenido y por el qual había luchado también su marido -quién la consideraba su inspiración-, quedó en el olvido. Los elogios se los llevaba el apellido Arp, y no ha sido hasta los años ’80 cuando se ha empezado a estudiar el arte de Sophie Taeuber.

Su obra se puede ver sobretodo, en la Casa-taller de Arp a Clamart, en el Kunstmuseum de Basilea y en el MoMa de Nueva York. Otros museos como el Kunstmuseum de Saint-Gallen, el Muzeum Sztuki de Lodz, en Polònia, o el Arp Museum Bahnhof Rolandseck en Alemania también tienen representación de su obra. Y a partir de septiembre, el Museo Picasso de Málaga organiza una exposición temporal. ¡Durante tres meses tendremos su obra más cerca y al alcance!