Hack4Europe! es una serie de eventos ‘hack days’ organizados simultanemente por la Europeana Foundation en Barcelona, Londres, Poznan y Estocolmo. Este ‘hackathon’ (encuentro donde se reunen desarrolladores con el fin de crear aplicaciones de forma colaborativa) se realizará en el Museu Picasso de Barcelona los días 8 y 9 de junio. Su objetivo es construir prototipos e incluso aplicaciones finales a partir del catálogo digital de la Fundación Europeana, considerado el gran portal ‘open data’ (información de libre acceso) cultural europeo. Para estar al dia de todo lo que vaya sucediendo, sigue el hashtag en Twitter #hack4europe.

Esta fundación, que tiene por objetivo hacer accesible el patrimonio cultural y científico europeo, contiene datos sobre pintura, música, películas y libros procedentes de galerias, bibliotecas, archivos y museos de todo el continente.

Los cuatro hackathons juntarán a 30 desarrolladores de cada país y alrededores, y les dará acceso a las colecciones de Europeana, con más de 18 millones de entradas, a la Europeana Search API y al Europeana Linked Open Data Pilot datasets, que actualmente comprende unas 3 millones de entradas de Europeana, dispobibles bajo licencia Creative Commons.

En Hack4Europe! se animará a los participantes -que deben registrarse previamente aquí, de forma gratuita- a que sus ideas tengan un uso creativo para el contenido de Europeana, construyendo aplicaciones que reflejen el negocio en potencia de la open data cultural. Los mejores prototipos de aplicaciones serán premiados durante la hackathon y cuatro finalistas seran invitados a la Digital Agenda Assembly los días 16 y 17 de junio en Bruselas, donde la comisaria Neelie Kroes les premiará durante una ceremonia especial.

Por segunda vez en treinta años, el Grand Palais de París dedica una exposición al impresionista francés Claude Monet (1840-1926), que podrá verse hasta el próximo 24 de enero.

En este edificio construido para la exposición universal de París de 1900 se albergan las más de 170 obras del artista, reunidas para la muestra que lleva por título Claude Monet (1840-1926).

La exposición reúne obras de todas las épocas, desde las que pintó en los inicios de su carrera artística hasta sus últimos lienzos. De las series, en las que reproducía un mismo tema en distintos momentos del día, incluso del año, a los paisajes del Bosque de Fontainebleau y las Marinas de Normandía, Argenteuil, París, y también Vétheuil, pequeño pueblo rural donde Monet se instaló en 1878, la isla bretona de Belle-île-en-Mer, pero también el Mediterráneo, captado entre 1884 y 1888, así como figuras, retratos y naturalezas muertas.

También tienen su lugar los cuadros realizados a partir de 1890, como las series de “Meules” (Pajares de heno), “Peupliers” (Álamos) o “Catedrales”, las brumas londinenses sobre el Tamésis o las vistas de Venecia, en 1908.

Al final del recorrido, un sinfín de publicaciones, libros, porcelanas decoradas al estilo de Monet y otros pequeños objetos relacionados con su obra impresionista esperan al visitante, que puede continuar su visita acercándose al vecino museo de la Orangerie. Allí es donde, desde 1927, las grandes salas ovales resguardan sus impresionantes ”Nenúfares”, que también tienen representación en la muestra.

La exclusiva marca de champagne francés Dom Pérignon rinde homenaje a Andy Warhol lanzando esta colección limitada inspirada en la obra del artista pop, compuesta por tres botellas con los colores primarios.

Dom Pérignon encargó el diseño de la colección al Laboratorio de Diseño del Central Saint Martin’s School of Art & Design, en Londres. Y para ello se inspiraron en la obra del artista pop, escogiendo los tres colores más significativos en su obra para reinterpretar el modelo tradicional y atemporal de la botella de champagne, que saldrá a la venta en otoño de este año a partir de 140 €.

Este cuadro pintado por Andy Warhol en 1963 lleva por título Silver Liz y se espera que alcance los 8 millones de libras el próximo 30 de junio, día en que Christie’s la subastará en Londres.

El retrato se hizo en el momento en que Elizabeth Taylor se había convertido en la primera actriz en ganar 1 millón de dólares por un papel, y es uno de los dos únicos cuadros de Warhol en los que aparece representada con los ojos de color violeta.

Ese mismo año, Warhol realizó una serie de 13 cuadros en los que aparecía ella y esta obra en concreto, que mide 101,6 x 99,06 cm, fue vendida a un coleccionista americano que la conservó durante más de 20 años.

¿Qué es? La obra del fotógrafo Nick Veasey (Londres, 1963), que se caracteriza por tomar instantáneas a partir de los Rayos-X. Veasey retrata objetos de todo tipo haciendo que los veamos de una forma diferente a la que estamos acostumbrados, desde automóviles, juguetes infantiles o indumentaria, hasta elementos de la naturaleza como animales y plantas.

Esta muestra ha recorrido museos y galerías de todo el mundo como el Victoria&Albert Museum de Londres, el Roentgen Museum en Alemania, o la Maddox Arts de Londres, la Click Gallery de Nueva York o la Pierre Mahaux en Bruselas, entre muchas otras.

¿Dónde? En la Galería Tagomago de Barcelona (c/ Santa Teresa, 3).

¿Cuándo? Hasta el 12 de junio.

Título: Ofelia
Artista: MILLAIS, John Everett (1829-1896)
Fecha: 1851-2
Medidas: 76,2 x 111,8 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Tate Britain, Londres

Esta imagen pintada por el artista inglés John E. Millais representa la trágica muerte de Ofelia y es una de las mejores representaciones de Hamlet, la obra escrita por el dramaturgo inglés William Shakespeare. Ofelia se vuelve loca y se suicida cuando descubre que su padre, Polonius, es asesinado por su amante, Hamlet. La muerte de Ofelia tal y como la pinta Millais no se representa en la obra de teatro, sino que se explica a través de una conversación que mantienen su hermano, Laertes y la reina Gertrude. La reina describe como Ofelia cae mientras cogía flores y se acaba hundiéndose en el río.

Los británicos John Everett Millais, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti fueron los fundadores en 1848 de los Pre-Rafaelitas. Aconsejados en los temas que trataban por el crítico de arte John Ruskin, el grupo rechazó el Renacimiento en un momento en que había vuelto a resurgir, apoyando el arte anterior a Rafael, Miguel Ángel y Leonardo. Este grupo se centró sobretodo en temas extraídos de la literatura, la religión y la historia pintando directamente de la naturaleza y prestando muchísima atención a los detalles.

Las técnicas usadas por este grupo de artistas resaltaban la luminosidad buscando la pureza del color y la definición de las formas para representar la naturaleza de la forma más realista posible.

El museo londinense de artes decorativas, el Victoria and Albert Museum, inauguró ayer Decode: Digital Design Sensations, una muestra que presenta obras de todas las dimensiones con la que pretende acercar al gran público las creaciones más recientes en el campo del arte digital e interactivo.

La exposición está articulada en tres ámbitos: Code, donde se presentan piezas en constante evolución cuyo principal medio expresivo es el código propio de cualquier ordenador; Interactivity, que consta de obras donde se invita al espectador a ser partícipe de su creación y, por último, Network, que se centra en trabajos que exploran las huellas digitales que dejan los los medios de comunicación y el modo en que Internet ha permitido crear nuevos tipos de interacción social y formas de expresión.

Muchas de las obras que se muestran aquí no encajan con las etiquetas tradicionales que definen el arte. Desde  diseños basados en los fundamentos del código de un ordenador -los ceros y unos del sistema binario escritos por programadores-, hasta las obras creadas por Internet.

Título: Just What Is It that Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?
Artista: HAMILTON, Richard (1922-)
Fecha: 1956
Medidas: 26 cm × 24,8 cm
Técnica: Collage
Localización: Kunsthalle Tübingen, Alemanya

Una mujer pasa el aspirador por las escaleras. Un poco desplazado del centro, un hombre desnudo y musculado sostiene una gran piruleta en la que puede leerse POP. Casualmente le cubre los genitales. Justo en el centro, un magnetofono. Sentada en el sofá, una mujer densuda de estética pin-up tiene la cabeza cubierta con una pantalla de lámpara: está representada como la mujer-objeto. En la pared de detrás, un retrato clásico justo al lado de una página de cómic de grandes dimensiones, decoran el comedor. Y a través de la ventana, luces que anuncian un espectáculo de teatro. Sumado a todo esto, un jamón en lata a modo de escultura decora la mesita al lado de la televisión.

¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan agradables? es el título de este collage de pequeñas dimensiones, considerado la primera obra pop-art. La obra se hizo para la exposición This is Tomorrow celebrada en 1956 en la Whitechapel Art Gallery de Londres que tenia la voluntad de acercar el arte contemporáneo a todos los públicos.

Una pareja estereotipada, recortada de las revistas de moda del momento, en un dúplex de Londres con las últimas novedades en electrodomésticos y entretenimiento: televisión, cómic y reproducción de música. Todos los elementos que aparecen, la abundancia y el glamour, son una denúncia del paraíso consumista en un tono irónico, una de las características principales del pop-art. La capital inglesa junto con Nueva York, se convierten en los dos núcleos urbanos donde se desarrollará el movimiento.

El término Pop-Art aparece por primera vez en 1958 cuando el crítico de arte Lawrence Alloway (1926-1990) lo escribe asociándolo a la «popular mass culture» (cultura popular de masas) en el ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los medios de comunicación masivos), publicado en febrero del mismo año.

Obras de Richard Hamilton en el MoMA de Nueva York

Otros artistas del Pop-Art: Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Tom Wesselmann, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein.

La Royal Academy of Arts de Londres ha anunciado esta semana una gran exposición dedicada a Vincent Van Gogh, que se centrará en sus cartas.

Se trata de unos documentos muy valuosos por la información que nos dan sobre el proceso creativo del artista, sobre como pensaba, qué le llamaba la atención i porqué pintaba como lo hacía. El principal destinatario de las cartas es su hermano Theo, que era marchante de arte i le ayudó durante toda la vida. Pero también hay correspondencia con su hermana Whilhelmina i con artistas como Anton Van Rappard, Émile Bernard y Paul Gauguin.

La exposición se celebrará del 28 de enero de 2010 al 18 de abril. Antes pero, en octubre de este año la editorial Thames & Hudson publicará todas las cartas que se conservan, en una obra de seis volúmenes. Es un proyecto que ve la luz después de quince años de investigación y hace que podamos leerlas al completo, ya que hasta ahora sólo existían ediciones parciales y muy sintéticas. Además, se podrán consultar por internet.

La muestra contará también con sesenta y cinco pinturas y treinta dibujos, todos ellos relacionados con su correspondencia. Entre las obras estará la Naturaleza muerta con un plato de cebollas, la única pintura en que aparece una carta.

Título: The burning of the Houses of the Parliament
Artista: TURNER, Joseph Mallord William (1775-1851)
Fecha: 1834
Medidas: 92 x 123,2 cm
Técnica: Oli sobre llenç/ Óleo sobre lienzo
Localización: The Cleveland Museum of Art

La noche del 16 de octubre de 1834, las Casas del Parlamento de Londres sufrieron un incendio que las destruyó. Los londinenses llenaron los puentes, las dos orillas del Támesis y las barcas disponibles para contemplar estupefactos un espectáculo terrible.

Entre los espectadores estaba J.M.W. Turner, quien hizo esbozos del fuego mientras quemava, para después convertirlos en cuadros definitivos en su estudio, plasmando la escena desde diferentes perspectivas. Así creó otras obras como ‘The Burning of the House of Lords and Commons‘.

La obra de Turner es muy avanzada a su tiempo. En sus cuadros predominan el color y la luz. Transforma las llamas en un remolino de colores vivos y radiantes. Todo queda muy desdibujado. Tiene otras obras casi abstractas en las que se debe intuir que se representa a partir del título del cuadro. Sus arte emociona a partir del color, pero también por los temas que representa, con la naturaleza como punto común, casi siempre entorno al mar y sus misterios, aunque el fuego es uno de los elementos que más le fascinan, como a los demás artistas románticos. Su obra inspirará a los impresionistas franceses, sobretodo a Claude Monet (1840-1926).

Turner en la Tate Britain de Londres
Turner en la National Gallery de Londres