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La casa de Piette en Montfoucault – Camille Pissarro

Título: La casa de Piette en Montfoucault
Artista: PISSARRO, Camille (1830-1903)
Fecha: 1874
Medidas: 45.9 × 67.6 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Estados Unidos.

Esta magnífica obra de Pissarro nos enseña como era la casa de su amigo Ludovic Piette en un día de invierno del año 1874. Piette y Pissarro se habían conocido estudiando en la Académie Suisse en París y tras unos años en la capital, Piette tuvo que retirarse a su granja en Brittany por motivos de salud. Pissarro le fue a visitar a menudo, y durante su estancia tuvo la oportunidad de pintarla, así como los paisajes de los alrededores. 

Pissarro, como los demás impresionistas, tenía un gran interés en plasmar la luz y su incidencia en los paisajes a través de la pintura, los efectos que esta producía tanto si llovía como si hacía sol ya fuera en invierno o en verano. En este cuadro, lo más destacable es el tratamiento que Pissarro hace de la nieve, solo hay que ver como se tuercen las ramas de los abetos debido al peso de esta.

Los impresionistas son los sucesores del grupo artístico de la Escuela de Barbizon. Hasta el siglo XIX los paisajes ocupaban un lugar secundario en la historia de la pintura, - se usaban para ‘rellenar’- de fondo de escenas más valoradas, como las religiosas o mitológicas.

El punto de inflexión para que el paisaje fuera considerado como género por si mismo se dió en 1824, cuando el Salón de París exhibió obras del inglés John Constable. Sus escenas rurales influenciaron los artistas más jóvenes, haciendo que abandonaran las normas de la Academia  para buscar su inspiración directamente en la Naturaleza. Coincidiendo con la revolución de 1848, un grupo de pintores —Camille Corot, Jean-François Millet, Constant Troyon y Théodore Rousseau— se retiraron al pueblo francés de Barbizon, cerca del bosque de Fontainebleau, donde crearon obras donde el paisaje era el protagonista.

Sobre este tema os recomiendo la exposición actual del CaixaForum Barcelona: Impresionistas, Maestros franceses de la colección Clark. Es imprescindible, además de poder ver este cuadro de Pissarro en directo, es una muestra muy amplia y bien estructurada para entender la influencia de los paisajistas de Barbizon sobre los impresionistas, así como el cambio que se produjo en la historia del arte a partir de este momento. ¡No os la perdáis!

El lamento por Ícaro – Herbert James Draper

Título: El lamento por Ícaro
Artista: DRAPER, Herbert James (1863-1920)
Fecha: 1898
Medidas: 182,9 x 155,6 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Tate Collection

En este cuadro ganador de la medalla de oro de la Exposición Universal de París de 1900, Herbert James Draper representó la muerte de Ícaro, una leyenda procedente de la mitologia griega. En esta ocasión, Ícaro aparece rodeado de ninfas marinas que lamentan su muerte.

La leyenda cuenta que su padre y constructor del laberinto del Minotauro, Dédalo, confeccionó un par de alas para él y su hijo hechas de plumas y cera, para poder huir de la isla de Creta donde les tenia presos el rey Minos. Consiguieron volar y sobrepasar varias islas, pero entonces Ícaro empezó a ascender intentando llegar al Paraíso, y se acercó tanto al sol que sus alas se derritieron cayendo al mar. El artista pintó a Ícaro con la piel oscura refiriéndose a lo cerca que estuvo del sol antes de caer.

Draper trabajó en la época victoriana y perteneció a la generación de artistas ingleses influenciados por la técnica los impresionistas, aunque él mismo quiso dedicarse a la representación de temas históricos y literarios, acercándose también a los Pre-rafaelitas.

Un día como hoy… Paul Cézanne cumpliría 172 años

Paul Cézanne, considerado en la actualidad como uno de los padres del arte moderno, cumpliría hoy 172 años. Así nos lo recuerda el buscador Google, reinventando su logo a la manera del artista francés, en su página principal.

Mientras vivió (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906), sin embargo, Cézanne fue un pintor ignorado por el gran público y también por la crítica artística. Al artista que revolucionó los bodegones y el paisaje, tan solo le apreciaron algunos de los impresionistas, y al final de su vida, por la nueva generación, encabezada por los nabis y la escuela de Pont-Aven.

Monet vuelve al Grand Palais treinta años después

Por segunda vez en treinta años, el Grand Palais de París dedica una exposición al impresionista francés Claude Monet (1840-1926), que podrá verse hasta el próximo 24 de enero.

En este edificio construido para la exposición universal de París de 1900 se albergan las más de 170 obras del artista, reunidas para la muestra que lleva por título Claude Monet (1840-1926).

La exposición reúne obras de todas las épocas, desde las que pintó en los inicios de su carrera artística hasta sus últimos lienzos. De las series, en las que reproducía un mismo tema en distintos momentos del día, incluso del año, a los paisajes del Bosque de Fontainebleau y las Marinas de Normandía, Argenteuil, París, y también Vétheuil, pequeño pueblo rural donde Monet se instaló en 1878, la isla bretona de Belle-île-en-Mer, pero también el Mediterráneo, captado entre 1884 y 1888, así como figuras, retratos y naturalezas muertas.

También tienen su lugar los cuadros realizados a partir de 1890, como las series de “Meules” (Pajares de heno), “Peupliers” (Álamos) o “Catedrales”, las brumas londinenses sobre el Tamésis o las vistas de Venecia, en 1908.

Al final del recorrido, un sinfín de publicaciones, libros, porcelanas decoradas al estilo de Monet y otros pequeños objetos relacionados con su obra impresionista esperan al visitante, que puede continuar su visita acercándose al vecino museo de la Orangerie. Allí es donde, desde 1927, las grandes salas ovales resguardan sus impresionantes ”Nenúfares”, que también tienen representación en la muestra.

La cabecera del mes de julio: Seurat – El Sena en la Grande-Jatte

Georges Seurat - Orillas del Sena

Título: El Sena en la Grande-Jatte
Artista: SEURAT, Georges (1859-1891)
Fecha: 1888
Medidas: 65 x 82 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización:
Museo de Arte Moderno de Bruselas

En la segunda mitad del siglo XIX, la pequeña isla de la Grande Jatte de Neuilly, situada al noroeste de París, se convirtió en un lugar muy popular entre la burguesía parisina donde divertirse en su tiempo libre. Los domingos, la gente pasaba el día en esta zona, donde paseaban, comían, bailaban y donde incluso podían practicar deportes acuáticos.

Georges Seurat, parisino y contemporáneo a los impresionistas, se impregnó del gusto de estos por retratar la modernidad y las costumbres de la gente. Es por eso que decide representar esta pequeña porción de París, donde aparece un remero sobre su piragua y un pequeño velero.

En cuanto a la técnica y el estilo, Seurat aplica por primera vez en una obra de grandes dimensiones la teoría científica del color, el divisionismo, que él llamó ‘cromoluminarismo’ (la separación de colores utilizando la técnica de pinceladas en forma de puntos, que da nombre al movimiento puntillista).

Seurat fue el único artista en trabajar el puntillismo, aunque por otro lado fue el iniciador de un nuevo movimiento artístico, el neo-impresionismo. Fue su temprana muerte por difteria a los 31 años lo que evitó que completara sus investigaciones en el puntillismo, el divisionismo y en la física de los colores.

Le Moulin de Blute-Fin, el último Van Gogh descubierto

Vincent Van Gogh - Le Moulin de Blute-Fin - 1886

‘Le Moulin de Blute-Fin’ de París, también conocido como Le Moulin de la Galette, ha sido representado en numerosas ocasiones por los impresionistas y ahora sabemos que también por Van Gogh. El molino situado en la colina de Montmartre fue pintado por el artista holandés en 1886, como han confirmado expertos del Museo Van Gogh de Amsterdam después de tres años de estudio.

“Por detrás, el cuadro tiene estampado el sello de la tienda parisina Rey et Perrot, donde Van Gogh compraba sus materiales“, explica Louis Van Tilburgh, conservador del Museo Van Gogh de Amsterdam. “Además, los análisis de infrarrojos revelan el uso de una línia roja que concuerda con la línia de perspectiva del cuadro, algo que aparece en otras obras del artista“. Para concluir añade que “su pincelada y su empaste eran especiales y aquí se reconocen en los personajes. En cuanto al motivo escogido, es extraño en su trayectoria, pero encaja en la denominada época de París en 1886″.

El lienzo fue adquirido en 1975 por Dirk Hannema, el entonces director del Museo Bojmans de Rotterdam, convencido de la autoría de Van Gogh en el cuadro. Pero debido a una error de atribución anterior en una posible pintura de Vermeer que resultó ser falsa, su opinión respecto al Blute-Fin no fue tomada en serio y el cuadro pasó dos décadas en el depósito de The Fundatie, en Zwolle, donde Hannema exponía su colección particular.

En 1984, tras la muerte de Hannema, la obra pasó a ser propiedad de The Fundatie y fue entonces cuando empezaron las investigaciones para demostrar la autoría de Van Gogh hasta el día de hoy.

Las grandes exposiciones de 2010 (I)

Acabamos de estrenar el 2010, un año que viene cargado de exposiciones. Ahora repasamos las mejores muestras que podremos visitar en 2010 en Barcelona y Madrid, siguiendo un orden cronológico y por museo, para hacer más fácil vuestra planificación. ¡Allá vamos!

En Madrid, el Museo Thyssen Bornemisza acoge del 23 de febrero al 30 de mayo la muestra Monet y la Abstracción. Centrada en la influencia del impresionista sobre el arte posterior a la Segunda Guerra Mundial, sobretodo en artistas norteamericanos, sus paisajes naturales y urbanos se exhibiran al lado de obras de Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell y Gerhard Richter, entre otros.

Otra exposición sobre impresionismo llenará las salas del Thyssen a final de año. Jardines impresionistas está programada del 16 de noviembre al 14 de febrero de 2011 y por primera vez fuera de Francia, la muestra analiza el desarrollo de la pintura impresionista de jardines de 1840 a 1918, e incluye obras de las grandes figuras del Impresionismo, además de las de sus precursores como Delacroix, Corot o Courbet, y también artistas posteriores como Klimt o Sargent.

Cambiando de escenario, a partir del 8 de marzo y hasta el 16 de mayo, el Museo del Prado acoge la exposición Arte del poder. Armas y pinturas de la corte española. El tema sobre el que gira la muestra es  la representación de armaduras y armas en los retratos de corte en los siglos XVI y XVII, en una versión más completa de la exposición que ya pudo verse el año pasado en la National Gallery de Washington.

Turner y los Maestros es la muestra estrella de la temporada en el Prado. En un tour que deja atrás la Tate Britain de Londres y el Grand Palais de París, del 22 de junio al 19 de septiembre la muestra podrá visitarse en el edificio de los Jerónimos en una exposición que reune 80 obras que nos mostrarán la influencia de los maestros antiguos en la producción del pintor inglés.

Desayuno en la cama – Mary Cassatt

Título: Desayuno en la cama
Artista: CASSATT, Mary (1844-1926)
Fecha: 1897
Medidas: 65,9 x 73,66 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Huntington Library Art Collections (San Marino, California)

Americana de nacimiento y francesa de adopción, Mary Cassat fue una de las componentes femeninas del grupo impresionista junto a Berthe Morisot o Eva Gonzales. Nació en Pennsylvania y estudió en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad antes de su viaje a París en 1873, donde pasó el resto de su vida.

En este cuadro la protagonista es la niña. Cassatt capta muy bien la actitud de los niños, retratandoles de una manera muy natural como en este caso, que la pinta sentada sobre la cama con la mirada perdida, mientras su madre la abraza mirándola.

Las mujeres del impresionismo, aun perteneciendo a un grupo muy vanguardista, no pintaban los mismos temas que los hombres, limitadas por una sociedad todavía muy masculina. Algunos cafés, espectáculos y distracciones cotidianas eran en su mayoria exclusivas para hombres, por lo que ellas no podían acceder y luego pintar sobre estos temas. Sólo les quedaba su entorno más cercano, y casi todas pintan la vida privada y el ambiente familiar. Por eso el tema de la mujer con sus hijos es recurrente y característico en Cassatt.

La nieve en Louveciennes – Alfred Sisley

Alfred Sisley - La nieve en Louveciennes

Título: La nieve en Louveciennes
Artista: SISLEY, Alfred (1839-1899)
Fecha: 1878
Medidas: 61 x 50,5 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Musée d’Orsay, París

Es habitual encontrar paisajes urbanos o rurales inundados por nieve en los impresionistas. Monet, Caillebotte, Pissarro o Sisley tratan el tema que les interesa mucho por la posibilidad de experimentar con la luz y el color de forma diferente. Aplican sombras de colores a la nieve después de estudiar los reflejos y matices que se proyectan sobre su aparente blanco.

El francés Alfred Sisley pinta estos paisajes nevados durante los inviernos que pasa en Louveciennes, en Marly-le-Roi o también en Veneux-Nadon. Además de conseguir la atmosfera melancólica propia del invierno, Sisley se preocupa por representar bien la perspectiva: un camino nevado se pierde en la lejanía donde se ve el pueblo de Louveciennes y en medio del camino, uno de sus vecinos.

Gracias al tren, a partir de 1850 era mucho más fácil viajar de la ciudad al campo, donde parisinos y habitantes de otras ciudades establecieron su segunda residencia. Así, el grupo impresionista pinta paisajes durante las cuatro estaciones, con el interés de plasmar las costumbres de su momento.

Músicos de orquesta – Edgar Degas

DEGAS - Músicos de orquesta - 1870

Título: Los músicos de la orquesta de la ópera
Artista: DEGAS, Edgar (1834-1917)
Fecha: 1870
Medidas: 69 x 49 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Städel Museum, Frankfurt am Main

Este cuadro tiene dos versiones. La primera, en el Musée d’Orsay, representa los músicos de perfil con su amigo Désiré Dihau tocando el fagot. En esa versión se ve su interés por el retrato, ya que reproduce fielmente las fisonomías y también la forma de tocar los instrumentos. En esta versión, tan sólo vemos la parte trasera de sus cabezas porque lo importante no es la orquesta (aunque esté en primer plano) sino las bailarinas. El centro de atención del cuadro son las bailarinas con sus trajes blancos, y lo destaca a partir de la luz contrastando con el negro de los músicos.

Degas tenía un abono para la ópera de París, que le permitía asistir a los ensayos. Así es como pudo fijarse en el el duro trabajo de las bailarinas y plasmó en varios cuadros desde sus ensayos hasta la salida a escena. Para preparar estos cuadros Degas también se ayudaba de fotografías y fotomontajes, algo que en la época era muy caro y que no podían hacer todos los artistas.

Pintar espectáculos es una característica del impresionismo. Además de la ópera, los impresionistas reflejan las distracciones de los parisinos en los cafés-concierto y cabarets como el Café Guerbois, el Nouvelle Athènes desaparecido en 2004, el Moulin de la Galette en Montmartre, el Chat Noir o Les Ambassadeurs.

La Japonaise – Claude Monet

la japonaise

Título: La Japonaise o Camille Monet con vestido japonés
Artista: MONET, Claude (1840-1926)
Fecha: 1876
Medidas: 231,8 x 142,3 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Museum of Fine Arts, Boston (Massachussets)

El segundo Salón de los Impresionistas, en 1876, fue el lugar escogido por Monet para presentar a su japonesa. La gente que acudió al Salón, tal vez llamados por el escándalo que supuso la primera edición¹, respondió con gran entusiasmo a este evento. Por aquél entonces y desde 1854, Holanda era la puerta de entrada a Europa de los objetos procedentes de Japón, llegando después a Francia por el puerto de Le Havre. Lo hacían envueltos en papel que contenía dibujos y grabados japoneses. Algo parecido al que envuelve la vajilla en papel de periódico para protegerla de romperse. Dichos dibujos fueron una gran inspiración para los artistas de la época, que imitaban sus composiciones y temas. Monet lo hace a su vez con este retrato de su mujer.

Usando esta tipologia de retrato, de cuerpo entero y de gran formato, Monet demostraba su talento como pintor. Y es que hace cien años, esta tipologia se consideraba una de las mayores pruebas de la técnica de un artista.  Los abanicos de la pared són una excusa para representar los temas orientales y demostrar también su buen hacer en elementos más pequeños, y son también un recurso que sirve para contrastar con el abanico que sujeta Camille, de estilo occidental. Ella lleva una peluca rubia, poniendo énfasis sobre su origen europeo. Es la manera que tiene Monet de mostrarnos que va disfrazada. Además de un guiño a la nueva moda oriental que se respiraba en París, el retrato le permitía experimentar con colores vibrantes y contrastados entre sí, con el aliciente añadido de pintar sobre un tema que antes no se había representado en Europa.

¹En vista de no aceptar sus obras en el Salón oficial (organizado por la Académia de Bellas Artes francesa), los impresionistas decidieron hacer su propio Salón. Fue en 1874 en el taller del fotógrafo Nadar, donde acudieron 30 artistas que expusieron 165 obras en total. Ellos y su arte no congeniaban con las normas académicas, levantando un alto revuelo en la sociedad de la época por los temas que trataban y su forma de pintarlos.