Todos los medios se han hecho eco del descubrimiento de este cuadro en los almacenes de la Universidad de Yale (New Haven, EEUU) que podría haber sido pintado por el maestro sevillano del barroco español, Diego Velázquez. Hasta el momento, la obra se creía de un pintor anónimo de la escuela española del siglo XVII.
Por ahora no hay nada seguro, aunque se ha generado cierto revuelo después de que El País diera la notícia. El tema representado en esta pintura se ha representado muy poco a lo largo de la historia del arte, ya que tan sólo aparece en alguna versión apócrifa de los Evangelios y la versión oficial no lo reconoce. Dicho tema se corresponde a la educación de la Virgen cuando era niña. El artista incluye -y este es uno de los grandes puntos de interés de esta pintura- el bodegón en el que, si se trata de Velázquez, años después sería considerado un genio. Santa Ana se sitúa a la derecha de la Virgen, que está en el centro y San Joaquín a la izquierda. En la parte superior aparecen representados los ángeles.
El autor del hallazgo es John Marciari, conservador jefe de arte europeo del Museo de Bellas Artes de San Diego. Tras un análisis exhaustivo del estilo, la técnica y la composición Marciari asegura que el óleo habría sido pintado durante los primeros años de la carrera del pintor, hacia 1617.
Aunque todavía no se pueden elaborar afirmaciones rotundas, ya que falta mucho por hacer. El siguiente paso es que otros historiadores del arte estudien el lienzo y corroboren la teoria expuesta por Marciari. Por el momento “La educación de la Virgen” se encuentra en el taller de restauración del museo de Yale, debido a un gran deterioro y continúa a la espera de la confirmación o no de su atribución.
Entre la variedad de propuestas simultáneas que ofrece el MoMA, este jueves 6 de mayo el museo neoyorquino inaugura la exposición Pictures by Women: A History of Modern Photography que está programada hasta el 21 de marzo del próximo año.
Las instantáneas que conforman esta muestra pertenecen a la colección del museo y están fechadas entre 1850 y la década de 1980 con el punto en común de la contribución femenina al desarrollo de la fotografía como género artístico. La fotografía más antigua de la muestra es la tomada por Anna Atkins en el siglo XIX en la que se plasman diferentes especies de plantas a partir de la cianotipia, un proceso fotográfico que produce una impresión azul.
Sumadas a las fotografías de Anna Atkins podremos contemplar obras maestras de Berenice Abbott, Diane Arbus, Dorothea Lange, Lisette Model, Cindy Sherman o Carrie Mae Weems, además de adquisiciones recientes del MoMA como las de Claude Cahun, Rineke Dijkstra, Nan Goldin o Helen Levitt, que se muestran en el museo por primera vez. La muestra también cuenta con collages, vídeos e instalaciones basadas en la fotografía de creadoras como Hannah Höch, Barbara Kruger, Yoko Ono, Lorna Simpson, Kiki Smith, Annette Messager o Hannah Wilke.
A día de hoy la película Polaroid ya no se fabrica, aunque iniciativas como The Impossible Project tratan de recuperarla y el próximo lunes habrá nuevas notícias sobre ello en una rueda de prensa que se celebrará en Nueva York.
Entre tanto sabemos que la amplia colección de instantáneas recopilada por el inventor de Polaroid, Edwin Land, se venderá en la casa de subastas Sotheby’s los próximos días 21 y 22 de junio en Nueva York.
Muchas de estas fotografías, cuyo valor total se estima entre 7,5 y 11,5 millones de dólares (5,5 y 8,4 millones de euros), fueron tomadas por algunos de los grandes artistas y fotógrafos del pasado siglo como Peter Beard, Chuck Close, William Wegman, David Levinthal, Robert Frank, David Hockney, Andy Warhol, Robert Mapplethorpe y, sobre todo, Ansel Adams, que está representado en esta muestra por unas 400 fotos.
Las Polaroid popularizaron la fotografia en la década de los cuarenta. Su origen está en un día de vacaciones de 1943 que Edwin Land y su familia pasaban en Santa Fe, México, y cuando al tomar una fotografía, su hija preguntó si podía verla en ese mismo momento. A Land le tomó sólo una tarde diseñar el concepto de cámara fotográfica instantánea que por primera vez se vendería en unos grandes almacenes de Boston, Massachusetts, en 1948.
Desde aquí esperamos buenas notícias para el próximo lunes, y que la organización de The Impossible Project anuncie la recuperación de tan legendario sistema fotográfico!
El pasado viernes 22, un importante cuadro de Picasso fue dañado de manera accidental en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Una visitante que atendía a las clases para adultos organizadas por el museo perdió el equilibrio cayendo sobre ‘El Actor’, un gran lienzo del Periodo Rosa, pintado en el invierno de 1904. El accidente causó una brecha de 15 cm en la esquina inferior derecha de la tela.
La pintura fue llevada inmediatamente al departamento de conservación del museo, donde determinaron que el daño se había producido en una parte secundaria de la composición, facilitando una restauración discreta. El cuadro formará parte de la muestra “Picasso en el Metropolitan Museum of Art”, con unas 250 obras del artista extraídas de la colección de este museo, y que se podrá ver del 27 de abril al 1 de agosto de 2010.
Pablo Picasso pintó ‘El Actor’ sobre otra composición en un inusual gran lienzo (196,2 x 115,3 cm) . Es una obra importante en su trayectoria ya que inaugura el Periodo Rosa (1904-1906), con sus acróbatas y actores en tonos pastel, dejando atrás el Periodo Azul (1901-1904) caracterizado por mendigos haraposos y músicos ciegos. ‘El Actor’ ha ocupado siempre un lugar destacado en la colección del Met desde que Thelma Chrysler Foy lo donara a la institución en 1952 y ha sido incluido en numerosas muestras sobre la trayectoria del artista en Europa y Estados Unidos.
Andy Warhol es el máximo exponente y el más conocido de los artistas pop, aunque si citamos a Jasper Johns, Richard Hamilton o Roy Lichtenstein no ocurre lo mismo. Y si hablamos de Nikki de Saint Phalle, Marisol Escobar, Yayoi Kusama, Rosalyn Drexler o Chryssa Vardeaseguramente seran menos los que las reconozcan como mujeres artistas dentro del Pop-Art.
En un claro homenaje y reconocimiento a las mujeres pop, the University of the Arts en Philadelphia propone la exposicion “Seductive Subversion: Women Pop Artists 1958-1968″. Tras seis años de investigación y búsqueda por galerías y colecciones privadas de todo el mundo, la muestra cuenta con unas 50 obras de veinte mujeres artistas y se podrá visitar hasta el 15 de marzo.
Este mes de enero, los taxis de Nueva York cambian sus anuncios por obras de arte contemporáneo. 500 taxis de la ciudad participan en el proyecto “Art Adds” de la compañía publicitaria de Las Vegas Show Media, propietaria de la mitad de los anuncios de taxis en la ciudad americana.
Para organizar este proyecto Show Media contactó con la Art Production Fund –una organización sin fines lucrativos que promueve el arte en Nueva York– pidiéndoles ayuda en la selección de artistas. Tres, todos residentes en Nueva York, aceptaron participar en la iniciativa: la iraniana Shirin Neshat, el neoyorquino Alex Katz y la japonesa Yoko Ono.
Alex Katz parte de dos retratos de conocidos modelos, juntándolos sobre un fondo negro. La crítica social, política y psicológica de Shirin Neshat gira esta vez entorno a los orígenes de los taxistas neoyorquinos. Por último, Yoko Ono hace referencia a la paz a través del lema extraído de la canción de John Lennon “War is over” (La guerra ha terminado).
Este año, la obra Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte, del puntillista francés Georges Seurat, cumple 125 años. Y para celebrarlo, el Art Institute of Chicago, donde reside el cuadro, propone la original iniciativa Adopt a dot, que consiste en adoptar uno de los miles de puntos que forman la conocida obra.
En adoptar el punto, el museo envía a canvio una chapa conmemorativa en un color elegido entre los seis de la pintura, además de una carta donde se describe la ubicación exacta de su punto en la obra de Seurat. Los precios de la adopción son de 10 dólares por un punto, 25 por tres y 50 por un pack con los seis colores.
El fin de esta acción es apoyar la conservación del museo y en concreto de los departamentos de conservación que trabajan para mantener toda la colección.
Tim Burton Museum of Modern Art (MoMA)
Del 22 de noviembre al 26 de abril de 2010 Horario: De 10:30h a 17:30h, excepto jueves (20h). Martes cerrado Entrada: General: 20$. Reducida: 12$ (estudiantes).
El Museo de Arte Moderno de NY (MoMA) presenta una retrospectiva sobre Tim Burton que aborda su carrera como director, productor y guionista, además de su trabajo como escritor, fotógrafo e ilustrador.
Desde sus dibujos de infancia hasta su arte más actual, la muestra presenta trabajos realizados durante la preparación de sus películas y pone énfasis en proyectos que no se han llevado a cabo y piezas nunca antes vistas.
Dibujos, pinturas, ‘storyboards’, muñecos, maquetas y vestidos se podrán ver junto a trabajos de sus años de estudiante y sus primeros films amateurs. A partir de referentes en la cultura pop, Burton usa diferentes métodos para dar forma a su obra llena de sentimiento, cinismo y humor agridulce.
Este es el anuncio que Tim Burton ha hecho para promocionar la exposición:
¡Qué cosas pasan en Nueva York! Desde el martes, los habitantes de la gran manzana habran hecho la compra o coincidido en la biblioteca con una astronauta. Sí sí. Es Alicia Framis, video-artista, fotógrafa y performer (Barcelona, 1967) presentando su serie de 14 ‘performance’ y una instalación, bajo el nombre ‘Lost Astronaut’. Y esto así de repente, ¿porqué? Pues resulta que estos días se celebra en la ciudad americana la tercera edición de ‘Performa’, la 3ª Bienal de Performances y Artes Visuales de Nueva York.
Que la artista se haya puesto un traje de astronauta, con sus tubos y su caparazón, tiene un motivo -y no es que se haya despistado celebrando Halloween una semana después-. Su aportación a la bienal es una reivindicación del papel de la mujer en la carrera espacial de los años ’60 y ’70. Cuando se cumplen cuarenta años de la llegada del hombre a la Luna, Framis se acuerda de que nunca ninguna mujer ha viajado hasta allí, aún habiendo muchas que se prepararon para ello. Es también una alegoría de la mujer en la sociedad, que no acaba de encontrar su sitio en un mundo dominado por los hombres.
Todo lo que haga esta astronauta hasta el 17 de noviembre, está predeterminado. Cada día sigue las consignas que autores, intelectuales y artistas invitados han escrito para el catálogo de esta obra de arte en movimiento. Podéis seguir a la astronauta perdida en Facebook y también en Twitter.
