Título: Desayuno en la cama
Artista: CASSATT, Mary (1844-1926)
Fecha: 1897
Medidas: 65,9 x 73,66 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Huntington Library Art Collections (San Marino, California)

Americana de nacimiento y francesa de adopción, Mary Cassat fue una de las componentes femeninas del grupo impresionista junto a Berthe Morisot o Eva Gonzales. Nació en Pennsylvania y estudió en la Academia de Bellas Artes de esta ciudad antes de su viaje a París en 1873, donde pasó el resto de su vida.

En este cuadro la protagonista es la niña. Cassatt capta muy bien la actitud de los niños, retratandoles de una manera muy natural como en este caso, que la pinta sentada sobre la cama con la mirada perdida, mientras su madre la abraza mirándola.

Las mujeres del impresionismo, aun perteneciendo a un grupo muy vanguardista, no pintaban los mismos temas que los hombres, limitadas por una sociedad todavía muy masculina. Algunos cafés, espectáculos y distracciones cotidianas eran en su mayoria exclusivas para hombres, por lo que ellas no podían acceder y luego pintar sobre estos temas. Sólo les quedaba su entorno más cercano, y casi todas pintan la vida privada y el ambiente familiar. Por eso el tema de la mujer con sus hijos es recurrente y característico en Cassatt.

Título: La nieve en Louveciennes
Artista: SISLEY, Alfred (1839-1899)
Fecha: 1878
Medidas: 61 x 50,5 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Musée d’Orsay, París

Es habitual encontrar paisajes urbanos o rurales inundados por nieve en los impresionistas. Monet, Caillebotte, Pissarro o Sisley tratan el tema que les interesa mucho por la posibilidad de experimentar con la luz y el color de forma diferente. Aplican sombras de colores a la nieve después de estudiar los reflejos y matices que se proyectan sobre su aparente blanco.

El francés Alfred Sisley pinta estos paisajes nevados durante los inviernos que pasa en Louveciennes, en Marly-le-Roi o también en Veneux-Nadon. Además de conseguir la atmosfera melancólica propia del invierno, Sisley se preocupa por representar bien la perspectiva: un camino nevado se pierde en la lejanía donde se ve el pueblo de Louveciennes y en medio del camino, uno de sus vecinos.

Gracias al tren, a partir de 1850 era mucho más fácil viajar de la ciudad al campo, donde parisinos y habitantes de otras ciudades establecieron su segunda residencia. Así, el grupo impresionista pinta paisajes durante las cuatro estaciones, con el interés de plasmar las costumbres de su momento.

Título: Los músicos de la orquesta de la ópera
Artista: DEGAS, Edgar (1834-1917)
Fecha: 1870
Medidas: 69 x 49 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Städel Museum, Frankfurt am Main

Este cuadro tiene dos versiones. La primera, en el Musée d’Orsay, representa los músicos de perfil con su amigo Désiré Dihau tocando el fagot. En esa versión se ve su interés por el retrato, ya que reproduce fielmente las fisonomías y también la forma de tocar los instrumentos. En esta versión, tan sólo vemos la parte trasera de sus cabezas porque lo importante no es la orquesta (aunque esté en primer plano) sino las bailarinas. El centro de atención del cuadro son las bailarinas con sus trajes blancos, y lo destaca a partir de la luz contrastando con el negro de los músicos.

Degas tenía un abono para la ópera de París, que le permitía asistir a los ensayos. Así es como pudo fijarse en el el duro trabajo de las bailarinas y plasmó en varios cuadros desde sus ensayos hasta la salida a escena. Para preparar estos cuadros Degas también se ayudaba de fotografías y fotomontajes, algo que en la época era muy caro y que no podían hacer todos los artistas.

Pintar espectáculos es una característica del impresionismo. Además de la ópera, los impresionistas reflejan las distracciones de los parisinos en los cafés-concierto y cabarets como el Café Guerbois, el Nouvelle Athènes desaparecido en 2004, el Moulin de la Galette en Montmartre, el Chat Noir o Les Ambassadeurs.

Título: La Japonaise o Camille Monet con vestido japonés
Artista: MONET, Claude (1840-1926)
Fecha: 1876
Medidas: 231,8 x 142,3 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Museum of Fine Arts, Boston (Massachussets)

El segundo Salón de los Impresionistas, en 1876, fue el lugar escogido por Monet para presentar a su japonesa. La gente que acudió al Salón, tal vez llamados por el escándalo que supuso la primera edición¹, respondió con gran entusiasmo a este evento. Por aquél entonces y desde 1854, Holanda era la puerta de entrada a Europa de los objetos procedentes de Japón, llegando después a Francia por el puerto de Le Havre. Lo hacían envueltos en papel que contenía dibujos y grabados japoneses. Algo parecido al que envuelve la vajilla en papel de periódico para protegerla de romperse. Dichos dibujos fueron una gran inspiración para los artistas de la época, que imitaban sus composiciones y temas. Monet lo hace a su vez con este retrato de su mujer.

Usando esta tipologia de retrato, de cuerpo entero y de gran formato, Monet demostraba su talento como pintor. Y es que hace cien años, esta tipologia se consideraba una de las mayores pruebas de la técnica de un artista.  Los abanicos de la pared són una excusa para representar los temas orientales y demostrar también su buen hacer en elementos más pequeños, y son también un recurso que sirve para contrastar con el abanico que sujeta Camille, de estilo occidental. Ella lleva una peluca rubia, poniendo énfasis sobre su origen europeo. Es la manera que tiene Monet de mostrarnos que va disfrazada. Además de un guiño a la nueva moda oriental que se respiraba en París, el retrato le permitía experimentar con colores vibrantes y contrastados entre sí, con el aliciente añadido de pintar sobre un tema que antes no se había representado en Europa.

¹En vista de no aceptar sus obras en el Salón oficial (organizado por la Académia de Bellas Artes francesa), los impresionistas decidieron hacer su propio Salón. Fue en 1874 en el taller del fotógrafo Nadar, donde acudieron 30 artistas que expusieron 165 obras en total. Ellos y su arte no congeniaban con las normas académicas, levantando un alto revuelo en la sociedad de la época por los temas que trataban y su forma de pintarlos.

Título: Just What Is It that Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?
Artista: HAMILTON, Richard (1922-)
Fecha: 1956
Medidas: 26 cm × 24,8 cm
Técnica: Collage
Localización: Kunsthalle Tübingen, Alemanya

Una mujer pasa el aspirador por las escaleras. Un poco desplazado del centro, un hombre desnudo y musculado sostiene una gran piruleta en la que puede leerse POP. Casualmente le cubre los genitales. Justo en el centro, un magnetofono. Sentada en el sofá, una mujer densuda de estética pin-up tiene la cabeza cubierta con una pantalla de lámpara: está representada como la mujer-objeto. En la pared de detrás, un retrato clásico justo al lado de una página de cómic de grandes dimensiones, decoran el comedor. Y a través de la ventana, luces que anuncian un espectáculo de teatro. Sumado a todo esto, un jamón en lata a modo de escultura decora la mesita al lado de la televisión.

¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan agradables? es el título de este collage de pequeñas dimensiones, considerado la primera obra pop-art. La obra se hizo para la exposición This is Tomorrow celebrada en 1956 en la Whitechapel Art Gallery de Londres que tenia la voluntad de acercar el arte contemporáneo a todos los públicos.

Una pareja estereotipada, recortada de las revistas de moda del momento, en un dúplex de Londres con las últimas novedades en electrodomésticos y entretenimiento: televisión, cómic y reproducción de música. Todos los elementos que aparecen, la abundancia y el glamour, son una denúncia del paraíso consumista en un tono irónico, una de las características principales del pop-art. La capital inglesa junto con Nueva York, se convierten en los dos núcleos urbanos donde se desarrollará el movimiento.

El término Pop-Art aparece por primera vez en 1958 cuando el crítico de arte Lawrence Alloway (1926-1990) lo escribe asociándolo a la «popular mass culture» (cultura popular de masas) en el ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los medios de comunicación masivos), publicado en febrero del mismo año.

Obras de Richard Hamilton en el MoMA de Nueva York

Otros artistas del Pop-Art: Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Tom Wesselmann, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein.

Título: The burning of the Houses of the Parliament
Artista: TURNER, Joseph Mallord William (1775-1851)
Fecha: 1834
Medidas: 92 x 123,2 cm
Técnica: Oli sobre llenç/ Óleo sobre lienzo
Localización: The Cleveland Museum of Art

La noche del 16 de octubre de 1834, las Casas del Parlamento de Londres sufrieron un incendio que las destruyó. Los londinenses llenaron los puentes, las dos orillas del Támesis y las barcas disponibles para contemplar estupefactos un espectáculo terrible.

Entre los espectadores estaba J.M.W. Turner, quien hizo esbozos del fuego mientras quemava, para después convertirlos en cuadros definitivos en su estudio, plasmando la escena desde diferentes perspectivas. Así creó otras obras como ‘The Burning of the House of Lords and Commons‘.

La obra de Turner es muy avanzada a su tiempo. En sus cuadros predominan el color y la luz. Transforma las llamas en un remolino de colores vivos y radiantes. Todo queda muy desdibujado. Tiene otras obras casi abstractas en las que se debe intuir que se representa a partir del título del cuadro. Sus arte emociona a partir del color, pero también por los temas que representa, con la naturaleza como punto común, casi siempre entorno al mar y sus misterios, aunque el fuego es uno de los elementos que más le fascinan, como a los demás artistas románticos. Su obra inspirará a los impresionistas franceses, sobretodo a Claude Monet (1840-1926).

Turner en la Tate Britain de Londres
Turner en la National Gallery de Londres