Título: El Sena en la Grande-Jatte
Artista: SEURAT, Georges (1859-1891)
Fecha: 1888
Medidas: 65 x 82 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Museo de Arte Moderno de Bruselas

En la segunda mitad del siglo XIX, la pequeña isla de la Grande Jatte de Neuilly, situada al noroeste de París, se convirtió en un lugar muy popular entre la burguesía parisina donde divertirse en su tiempo libre. Los domingos, la gente pasaba el día en esta zona, donde paseaban, comían, bailaban y donde incluso podían practicar deportes acuáticos.

Georges Seurat, parisino y contemporáneo a los impresionistas, se impregnó del gusto de estos por retratar la modernidad y las costumbres de la gente. Es por eso que decide representar esta pequeña porción de París, donde aparece un remero sobre su piragua y un pequeño velero.

En cuanto a la técnica y el estilo, Seurat aplica por primera vez en una obra de grandes dimensiones la teoría científica del color, el divisionismo, que él llamó ‘cromoluminarismo’ (la separación de colores utilizando la técnica de pinceladas en forma de puntos, que da nombre al movimiento puntillista).

Seurat fue el único artista en trabajar el puntillismo, aunque por otro lado fue el iniciador de un nuevo movimiento artístico, el neo-impresionismo. Fue su temprana muerte por difteria a los 31 años lo que evitó que completara sus investigaciones en el puntillismo, el divisionismo y en la física de los colores.

Título: Vampira (también conocida como Amor y Dolor)
Artista: MUNCH, Edvard (1863-1944)
Fecha: 1897
Medidas: 91 x 109 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Colección particular

Edvard Munch es sobretodo conocido por su cuadro El Grito, una alegoría de la ansiedad experimentada por el propio artista, aunque otras obras como esta tienen también una interesante historia detrás.

Cuando el artista noruego presentó este cuadro en 1903 causó mucha impresión y desagrado. Fue en Berlín y en aquél momento la sociedad no estaba preparada para asimilar lo que sus ojos veían. La expresión de dolor del hombre cubierto por el largo cabello rojizo de la mujer, pareciéndose a la Medusa, les hizo pensar en el ataque de una vampira -de ahí el nombre por el que se conoce la obra-.

Otros más radicales acusaron al expresionista de frecuentar prostíbulos -algo ilícito en la Alemania de principio de siglo- y de reflejar sus costumbres en esta pintura. También hubo quien habló de la representación de su hermana Sophie, que murió cuando él tan solo tenía catorce años.

Nada más lejos de la realidad, ya que el artista insistió en que había pintado un simple beso en el cuello intentando reflejar los sentimientos de “Amor y dolor”, primer título del cuadro.

Munch centró su obra en la representación de las emociones, algo en lo que él mismo decía parecerse a Leonardo Da Vinci: “del mismo modo que él había estudiado la anatomía humana y había diseccionado cuerpos, yo intento lo mismo con las almas.”

Título: Lady Godiva
Artista: COLLIER, John Maler (1850-1934)
Fecha: 1897
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: The Herbert Museum and Art Gallery

John Collier forma parte de la llamada Hermandad de los Pre-rafaelitas, y aunque no fue díscipulo de ninguno de ellos, fue animado e influenciado por dos de sus miembros más destacados Lawrence Alma-Tadema y John Everett Millais. En este cuadro Collier representa a Lady Godgifu (God gift en inglés antiguo – regalo de Dios) que era el nombre con el que se conocía a Lady Godiva en el siglo XI. Esta noble anglosajona vivió entre los años 1040 y 1080 y fue la esposa del conde Leofric.

La pintura representa la decisión de Godiva tras pedirle a su esposo que rebajara los impuestos que había sobre el pueblo. El conde accedió, aunque con una condición: Lady Godiva debía recorrer el pueblo de Coventry a caballo, sin más indumentaria que su largos cabellos. Su decisión fue hacerlo, no sin antes acordar con los vecinos que estos se encerrarían en sus casas para no perturbarla en su desnudez.

El día elegido todos los vecinos de Coventry permanecían en sus casas y con las ventanas y puertas cerradas y cubiertas para no ver el exterior. Todos excepto el sastre de Coventry cumplieron su acuerdo con Lady Godiva, y a través del agujero de una persiana no pudo resistir observar a la condesa. La leyenda cuenta que al no cumplir su promesa se quedó ciego. Es a este sastre al que la tradición inglesa llama Peeping Tom (El mirón Tom). Además, la expresión pasó a designar en inglés a quien en castellano se llama mirón y en francés voyeur.

Como curiosidad, la prestigiosa marca belga de bombones Godiva Chocolatier debe su nombre y su logo a esta figura histórica.

Título: Ofelia
Artista: MILLAIS, John Everett (1829-1896)
Fecha: 1851-2
Medidas: 76,2 x 111,8 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Tate Britain, Londres

Esta imagen pintada por el artista inglés John E. Millais representa la trágica muerte de Ofelia y es una de las mejores representaciones de Hamlet, la obra escrita por el dramaturgo inglés William Shakespeare. Ofelia se vuelve loca y se suicida cuando descubre que su padre, Polonius, es asesinado por su amante, Hamlet. La muerte de Ofelia tal y como la pinta Millais no se representa en la obra de teatro, sino que se explica a través de una conversación que mantienen su hermano, Laertes y la reina Gertrude. La reina describe como Ofelia cae mientras cogía flores y se acaba hundiéndose en el río.

Los británicos John Everett Millais, William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti fueron los fundadores en 1848 de los Pre-Rafaelitas. Aconsejados en los temas que trataban por el crítico de arte John Ruskin, el grupo rechazó el Renacimiento en un momento en que había vuelto a resurgir, apoyando el arte anterior a Rafael, Miguel Ángel y Leonardo. Este grupo se centró sobretodo en temas extraídos de la literatura, la religión y la historia pintando directamente de la naturaleza y prestando muchísima atención a los detalles.

Las técnicas usadas por este grupo de artistas resaltaban la luminosidad buscando la pureza del color y la definición de las formas para representar la naturaleza de la forma más realista posible.

Título: Convaleciente
Artista: SCHJERFBECK, Helene (1862-1946)
Fecha: 1888
Medidas: 92 x 107 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Ateneum Art Museum, The National Gallery of Finland

Cuando Barcelona organizaba su Exposición Universal de 1888 en la zona que hoy ocupa el Parc de la Ciutadella, Helene Schjerfbeck pintaba este cuadro. Tan solo tenía 22 años cuando lo compuso y con él ganó el primer premio en una exposición nacional de pintura en Finlandia dos años más tarde.

A lo largo de su vida viajó a Florencia, París y San Petesburgo gracias a las becas artísticas que le permitieron forjarse una trayectoria antes de conseguir que un marchante la representase. Dos años antes de morir se mudó a Suecia, dejando atrás su Helsinki natal.

Esta pintura de caracter intimista está inscrita dentro del movimiento simbolista finlandés del que Magnus Enckell es uno de los artistas más representativos y que caracterizó los inicios de Schjerfbeck, aunque más tarde experimentó con el cubismo en su etapa de madurez artística.

La obra representa una niña convaleciente mirando una flor que se recupera tras una enfermedad, un tema autobiográfico ya que la artista sufrió una caída de niña de la que nunca se recuperó del todo. El simbolismo en esta obra recae en tres elementos: la convalecencia, la flor y la luz. La niña enferma recuperándose mientras sujeta y observa con detenimiento una flor describe la nueva etapa en su vida que está a punto de empezar. Y la luz, que inunda la mitad de la habitación desde la derecha del cuadro, da esperanza para la recuperación.

Título: Eros y Psique
Artista: BOUGUEREAU, William (1825-1905)
Fecha: 1895
Medidas: 120 cm × 209 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Colección Privada

Estudiante de la Academia de Bellas Artes de París, William Bouguereau obtuvo también la prestigiosa beca de Roma en 1850. Fue contemporáneo al auge del impresionismo, por lo que la crítica no apoyó su arte entonces, concentrada en defender el nuevo movimiento.

Bouguereau representa varias veces el tema de Eros y Psique a lo largo de su trayectoria artística, como niños en 1889, como adultos en 1895 y también a Psique por sí sola.

Esta obra representa el triunfo del amor entre Eros y Psique tras superar la maldición de la diosa Venus. En el mito, Venus tiene celos de Psique y en un ataque de ira ordena a su hijo Eros que haga que se enamore de un monstruo, pero Eros se enamora de ella antes de cumplir el cometido de su madre. Después de varios intentos, Eros y Psique consiguen que los dioses conviertan a Psique en inmortal y permiten su boda.

Título: Una boda judía en Marruecos
Artista: DÉLACROIX, Eugène (1798-1863)
Fecha: 1839
Medidas: 1,05 m × 1,40 m
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Musée du Louvre, París

En diciembre de 1831 Délacroix abandona París con destino al Norte de África, un viaje del que conocemos casi todo gracias al diario del artista, a las cartas que dirigía a sus amigos y a los numerosos esbozos que dibujó. Este cuadro representa la boda judía a la que acudió como invitado durante su estancia en Marruecos y que influenció de forma innegable en su obra posterior.

Lo importante de esa pintura es la luz dorada que distribuye dos zonas en el cuadro, la que destaca a partir de la luz y las sombras. El artista conduce nuestra mirada por este patio, donde se desarrollará la boda pero la novia no está. En las sombras podemos apreciar el despliegue de su destreza técnica, del realismo con el que pinta las diferentes posturas, gestos y miradas. Además añade numerosas puertas y ventanas intentando suscitar nuestra curiosidad, sugiriendo que hay algo importante ocurriendo dentro del edificio (donde está la novia preparándose). Y en la pared de enfrente de esta habitación, él mismo se retrata de pie.

Su trayectoria como pintor está considerada una de las más importantes del romanticismo francés, y este cuadro representa la influencia del orientalismo -gusto de los occidentales por las culturas del norte de África, incluso se da cabida a España- en dicho movimiento.

Desde We Are BCN, mis mejores deseos para todos vosotros en este año nuevo. Que el 2010 os traiga lo que más necesitéis y sobretodo alegría, alegría!

Que disfruteis el fin de año esta noche, ¡a bailar y divertirse! Como estos que bailaban en el cuadro de Picasso del Moulin de la Galette de Montmartre, en 1900.

Feliz 2010 !!!

Título: La Natividad Mística
Artista: BOTTICELLI, Sandro (1445 – 1510)
Fecha: 1500
Medidas: 1086 x 749 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: National Gallery, London

Título: La balsa de la Medusa
Artista: GÉRICAULT, Théodore (1791-1824)
Fecha: Salón de 1819
Medidas: 491 cm × 716 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Musée du Louvre, París

Icono del Romanticismo francés, esta obra causó un gran escándalo en el Salón de 1819. Y es que a parte del tema espeluznante por sí mismo, un artista había representado por primera vez un hecho histórico contemporáneo sin un encargo previo, además de haber llenado la composición de figuras anónimas en un formato reservado a la pintura de los grandes sucesos históricos.

La imagen representada es un grupo de pasajeros del barco francés “Medusa” que sobrevivieron al naufragio cerca de la costa de la actual Mauritania. Construyeron una improvisada balsa que albergó a 149 personas, ya que no había suficientes botes salvavidas para la tripulación y el pasaje. Ya en mitad del mar, un barco de la marina francesa avistó a los náufragos pero no los recogió siendo estos presa del hambre, la sed, la insolación y las enfermedades. Trece días después, el 17 de julio de 1816, un carguero recogió a los 15 supervivientes que quedaban en la balsa y les devolvió a Francia.

Géricault pintó este cuadro como denúncia política y para dar a conocer un suceso que no llegó a la prensa en su momento. El gobierno de entonces lo había censurado impidiendo también que el artista lo expusiera en público. No fue hasta dos años después de los hechos que Géricault lo expuso en el Salón Oficial de París causando el gran revuelo social que el gobierno francés temía.