La exclusiva marca de champagne francés Dom Pérignon rinde homenaje a Andy Warhol lanzando esta colección limitada inspirada en la obra del artista pop, compuesta por tres botellas con los colores primarios.

Dom Pérignon encargó el diseño de la colección al Laboratorio de Diseño del Central Saint Martin’s School of Art & Design, en Londres. Y para ello se inspiraron en la obra del artista pop, escogiendo los tres colores más significativos en su obra para reinterpretar el modelo tradicional y atemporal de la botella de champagne, que saldrá a la venta en otoño de este año a partir de 140 €.

Alphonse Maria Mucha nació el 24 de julio de 1860 en Ivančice, Moravia (lugar que hoy se conoce como República Checa). Empezó su trayectoria artística realizando decorados para obras de teatro en Moravia. Al mismo tiempo empezó a crear diseños publicitarios y retratos y sus obras interesaron al conde Kart Khuen de Mikulov, quien lo contrató para que hiciese la decoración mural del castillo de Hrusovany Emmahof. Y tan contento quedó con los resultados que decidió apadrinar la formación de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich.

Después de esto se mudó a París, donde alcanzó la fama en 1895 gracias a la actriz Sara Bernhardt, la actriz principal en la compañía de teatro Théâtre de la Renaissance. Con esta compañía firmó un contrato de exclusividad por seis años y su obra fue reconocida a nivel mundial. Mucha viajó por todo el mundo realizando encargos de decoración y publicidad de lo más variado. Su firma está en carteles, en sellos, en jabones, hasta en las vidrieras de la catedral de San Vito en Praga y en la decoración del pabellón bosnio para la exposición universal de París de 1900.

Hoy Google le dedica este dibujo en su página principal.

¿Qué es? En 2009, el fotógrafo Eugeni Forcano (Barcelona, 1926) donó 650 fotografías en blanco y negro donde retrató la Barcelona de los sesenta a través de su gente, de la vida en sus calles y de sus costumbres. Se trata de copias de gran formato (60 x 50 cm) que pasaron a formar parte del Archivo Fotográfico de Barcelona.

Ahora esta exposición recoge la selección llevada a cabo por el propio Forcano y su colaboradora Rosario Martínez, un total de 134 fotografías que se pueden ver en la muestra que lleva por título “Eugeni Forcano. La meva Barcelona”.

¿Dónde? La muestra queda dividida en dos sedes: 70 imágenes expuestas en el propio Archivo Fotográfico de Barcelona (Pl. Pons i Clerch, 2, 2n) y 64 más en la Sala Ciutat (c/ Ciutat 2).

¿Cuándo? En la Sala Ciutat hasta el próximo 3 de octubre y en el Archivo Fotográfico de Barcelona hasta el 15 de enero de 2011.

Todo empezó hace 221 años cuando 14 de julio de 1789 un grupo de revolucionarios tomó la cárcel de la Bastilla, en París, indignados por la represión absolutista del rey Luis XVI contra su pueblo.

La rendición de la prisión, una fortaleza medieval, supuso el inicio de la Revolución Francesa y provocó un cambio en la historia de Europa. Un siglo después se instauró este día como el Día de la Fiesta Nacional en Francia.

Un 8 de julio como hoy nacía una de las primeras mujeres artistas que vieron su trabajo reconocido en vida: Artemisia Gentileschi.

Nació en Roma en 1593, y fue hija del también pintor Orazio Gentileschi. Su padre le inculcó la técnica y la importancia del dibujo y de Caravaggio aprendió a distribuir el color, la luz y las sombras.

Artemisia fue la primera mujer en ingresar en la Accademia del Disegno (Academia del Dibujo) de Florencia y la única en ser tratada como igual a los grandes pintores contemporáneos del Barroco italiano.

Todos los medios se han hecho eco del descubrimiento de este cuadro en los almacenes de la Universidad de Yale (New Haven, EEUU) que podría haber sido pintado por el maestro sevillano del barroco español, Diego Velázquez. Hasta el momento, la obra se creía de un pintor anónimo de la escuela española del siglo XVII.

Por ahora no hay nada seguro, aunque se ha generado cierto revuelo después de que El País diera la notícia. El tema representado en esta pintura se ha representado muy poco a lo largo de la historia del arte, ya que tan sólo aparece en alguna versión apócrifa de los Evangelios y la versión oficial no lo reconoce. Dicho tema se corresponde a la educación de la Virgen cuando era niña. El artista incluye -y este es uno de los grandes puntos de interés de esta pintura- el bodegón en el que, si se trata de Velázquez, años después sería considerado un genio. Santa Ana se sitúa a la derecha de la Virgen, que está en el centro y San Joaquín a la izquierda. En la parte superior aparecen representados los ángeles.

El autor del hallazgo es John Marciari, conservador jefe de arte europeo del Museo de Bellas Artes de San Diego. Tras un análisis exhaustivo del estilo, la técnica y la composición Marciari asegura que el óleo habría sido pintado durante los primeros años de la carrera del pintor, hacia 1617.

Aunque todavía no se pueden elaborar afirmaciones rotundas, ya que falta mucho por hacer. El siguiente paso es que otros historiadores del arte estudien el lienzo y corroboren la teoria expuesta por Marciari. Por el momento “La educación de la Virgen” se encuentra en el taller de restauración del museo de Yale, debido a un gran deterioro y continúa a la espera de la confirmación o no de su atribución.

Título: El Sena en la Grande-Jatte
Artista: SEURAT, Georges (1859-1891)
Fecha: 1888
Medidas: 65 x 82 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Museo de Arte Moderno de Bruselas

En la segunda mitad del siglo XIX, la pequeña isla de la Grande Jatte de Neuilly, situada al noroeste de París, se convirtió en un lugar muy popular entre la burguesía parisina donde divertirse en su tiempo libre. Los domingos, la gente pasaba el día en esta zona, donde paseaban, comían, bailaban y donde incluso podían practicar deportes acuáticos.

Georges Seurat, parisino y contemporáneo a los impresionistas, se impregnó del gusto de estos por retratar la modernidad y las costumbres de la gente. Es por eso que decide representar esta pequeña porción de París, donde aparece un remero sobre su piragua y un pequeño velero.

En cuanto a la técnica y el estilo, Seurat aplica por primera vez en una obra de grandes dimensiones la teoría científica del color, el divisionismo, que él llamó ‘cromoluminarismo’ (la separación de colores utilizando la técnica de pinceladas en forma de puntos, que da nombre al movimiento puntillista).

Seurat fue el único artista en trabajar el puntillismo, aunque por otro lado fue el iniciador de un nuevo movimiento artístico, el neo-impresionismo. Fue su temprana muerte por difteria a los 31 años lo que evitó que completara sus investigaciones en el puntillismo, el divisionismo y en la física de los colores.

Título: Vampira (también conocida como Amor y Dolor)
Artista: MUNCH, Edvard (1863-1944)
Fecha: 1897
Medidas: 91 x 109 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Colección particular

Edvard Munch es sobretodo conocido por su cuadro El Grito, una alegoría de la ansiedad experimentada por el propio artista, aunque otras obras como esta tienen también una interesante historia detrás.

Cuando el artista noruego presentó este cuadro en 1903 causó mucha impresión y desagrado. Fue en Berlín y en aquél momento la sociedad no estaba preparada para asimilar lo que sus ojos veían. La expresión de dolor del hombre cubierto por el largo cabello rojizo de la mujer, pareciéndose a la Medusa, les hizo pensar en el ataque de una vampira -de ahí el nombre por el que se conoce la obra-.

Otros más radicales acusaron al expresionista de frecuentar prostíbulos -algo ilícito en la Alemania de principio de siglo- y de reflejar sus costumbres en esta pintura. También hubo quien habló de la representación de su hermana Sophie, que murió cuando él tan solo tenía catorce años.

Nada más lejos de la realidad, ya que el artista insistió en que había pintado un simple beso en el cuello intentando reflejar los sentimientos de “Amor y dolor”, primer título del cuadro.

Munch centró su obra en la representación de las emociones, algo en lo que él mismo decía parecerse a Leonardo Da Vinci: “del mismo modo que él había estudiado la anatomía humana y había diseccionado cuerpos, yo intento lo mismo con las almas.”

- El 24 de junio celebramos el día del nacimiento de San Juan Bautista (Judea 4 a.C. – 30 d.C.). Como muchas otras, esta celebración cristiana se ha transformado con los años en una tradición pagana en la que el fuego es el protagonista.

- Por otra parte la tradición popular relaciona religión y folclore, atribuyendo a San Zacarías el haber encendido una hoguera para celebrar el nacimiento de su hijo Juan.

- La noche del 23 de junio se considera la más corta del año y el día más largo, por su proximidad temporal con el Solsticio de Verano.

- Para celebrarlo encendemos hogueras en diferentes puntos de la ciudad, tiramos petardos y comemos cocas de frutas, de crema o de chicharrones (llardons).

- La imagen que ilustra este artículo es una escultura que el renacentista Andrea del Verrocchio (1435-1488) realizó para el altar del Baptisterio de Florencia, con el tema de la Degollación de San Juan Bautista. Este acontecimiento se celebra cada 29 de agosto.

- Aquí toda la información sobre la fiesta de San Juan en Barcelona.

Caravaggio murió a causa de su arte. Después de un año de búsqueda, un grupo de investigadores italianos afirma haber encontrado los restos del artista Michelangelo Merisi Caravaggio. Los científicos han presentado en Ravenna un grupo de huesos hallados en el cementerio de Porto Ercole, en la Toscana, con la probabilidad del 85% de que sean del pintor.

Para llegar a esta conclusión se han basado en datos historiográficos y se han realizado diferentes pruebas. La primera de ellas fue buscar metales pesados como plomo en los huesos, dado que Caravaggio sufría saturnismo -envenenamiento por plomo-. Uno de los nueve huesos presentados contiene altos niveles de plomo, lo que provocaría su muerte, por lo que se pasó a examinarlo más a fondo.

Entonces el grupo de científicos liderado por el investigador Silvano Vinceti determinó que el hueso en cuestión pertenecería a un hombre adulto de más de 1,70m, descripción que se corresponde con la del artista barroco. Tras descubrir esta nueva información pasaron a datarlo con la prueba del carbono 14, determinando que se trataba de unos restos pertenecientes a la década de 1610, justo el año en que murió el pintor. Finalmente se aplicó un análisis de ADN, comparandolo con el de varias personas vivas apellidadas Merisi o Merisio. Dado que Caravaggio no tuvo hijos, representó una dificultad añadida, pero el ADN del hueso coincidió con los demás resultados.

Tras una vida de peleas, duelos incluso se le atribuye un asesinato, Caravaggio murió debido al contacto con el plomo que contenían sus pinturas.