Título: La casa de Piette en Montfoucault
Artista: PISSARRO, Camille (1830-1903)
Fecha: 1874
Medidas: 45.9 × 67.6 cm
Técnica: Óleo sobre lienzo
Localización: Sterling and Francine Clark Art Institute, Williamstown, Estados Unidos.

Esta magnífica obra de Pissarro nos enseña como era la casa de su amigo Ludovic Piette en un día de invierno del año 1874. Piette y Pissarro se habían conocido estudiando en la Académie Suisse en París y tras unos años en la capital, Piette tuvo que retirarse a su granja en Brittany por motivos de salud. Pissarro le fue a visitar a menudo, y durante su estancia tuvo la oportunidad de pintarla, así como los paisajes de los alrededores. 

Pissarro, como los demás impresionistas, tenía un gran interés en plasmar la luz y su incidencia en los paisajes a través de la pintura, los efectos que esta producía tanto si llovía como si hacía sol ya fuera en invierno o en verano. En este cuadro, lo más destacable es el tratamiento que Pissarro hace de la nieve, solo hay que ver como se tuercen las ramas de los abetos debido al peso de esta.

Los impresionistas son los sucesores del grupo artístico de la Escuela de Barbizon. Hasta el siglo XIX los paisajes ocupaban un lugar secundario en la historia de la pintura, - se usaban para ‘rellenar’- de fondo de escenas más valoradas, como las religiosas o mitológicas.

El punto de inflexión para que el paisaje fuera considerado como género por si mismo se dió en 1824, cuando el Salón de París exhibió obras del inglés John Constable. Sus escenas rurales influenciaron los artistas más jóvenes, haciendo que abandonaran las normas de la Academia  para buscar su inspiración directamente en la Naturaleza. Coincidiendo con la revolución de 1848, un grupo de pintores —Camille Corot, Jean-François Millet, Constant Troyon y Théodore Rousseau— se retiraron al pueblo francés de Barbizon, cerca del bosque de Fontainebleau, donde crearon obras donde el paisaje era el protagonista.

Sobre este tema os recomiendo la exposición actual del CaixaForum Barcelona: Impresionistas, Maestros franceses de la colección Clark. Es imprescindible, además de poder ver este cuadro de Pissarro en directo, es una muestra muy amplia y bien estructurada para entender la influencia de los paisajistas de Barbizon sobre los impresionistas, así como el cambio que se produjo en la historia del arte a partir de este momento. ¡No os la perdáis!

La actividad que se describe como Visita a las reservas del MNAC. La colección no expuesta de un gran museo tiene una duración aproximada de dos horas, cuesta 5€ hasta el 31 de marzo (a partir del 1 de abril 8,50€) y su gancho es la posibilidad de visitar los almacenes y ver obras que no están expuestas en las salas del museo.

Resumiendo mi experiencia, se podría exprimir muchísimo más. De una anunciada visita a las obras no expuestas en las salas, como puede ser la obra gráfica del Modernismo, pinturas y esculturas de primera línea en diferentes épocas desde el Románico hasta el siglo XX, todo quedó en una explicación técnica sobre la conservación de dichas obras sin mostrar lo que se anuncia en el reclamo de las visitas. Un punto a favor: con la entrada para las visitas te dan acceso para otro día a las colecciones del museo. A continuación podéis leer sobre la visita del pasado viernes.

Un guía del museo es el encargado de explicarnos, a partir de una presentación de diapositivas, el contexto en el que nos encontramos, con una breve introducción sobre la creación y la historia del MNAC para pasar rápidamente a contarnos de qué manera se almacenan las obras de arte. Y los criterios que se siguen implican los materiales con los que se han hecho las obras y la forma óptima de conservación en cada uno de los casos, teniendo en cuenta las variables de humedad a las que pueden estar sometidas. El guía también nos explica el personal que trabaja en los almacenes. Lo más interesante de este apartado es conocer que hay un total de 4.617 obras expuestas en las salas y 267.255 más están en los almacenes.

Después de una primera aproximación sobre la distribución de los almacenes en el edificio, iniciamos el recorrido que nos llevará a distintas partes de las reservas. El ‘tour’ empieza por las reservas de pintura, donde los cuadros se ordenan cronológicamente dentro de unos armarios denominados compactos. Tan solo hay uno de los armarios abiertos, por lo que es lo único que se nos permitió contemplar. De allí pasamos al área donde se almacenan las obras realizadas en madera, donde nos quedamos en la entrada y vimos de lejos las estanterías donde se guarda cada una de las tallas dentro de unas bolsas de plástico para aislarlas de polvo y posibles plagas de insectos. En este caso, se nos muestra la situación de las trampas en dicha área de las reservas. Seguimos nuestro camino y hacemos un alto ante la zona de restauración de pintura, donde podemos ver -desde las puertas de cristal cerradas- un Ribera que formará parte de la nueva exposición temporal sobre el Realismo. Y de allí enfilamos el final de la visita hacia la parte opuesta del museo, donde se guardan las piezas creadas en piedra. Para ello atravesamos las salas de arte moderno, donde está situada la colección Thyssen-Bornemisza y bajamos hasta el piso del sótano. Una vez allí nos explican que se están cambiando los soportes de madera que aíslan las esculturas del suelo, por soportes de plástico con un armazón metálico. En esta ocasión podemos ver capiteles, algún sarcófago y esculturas públicas retiradas de su ubicación como una de las muchas reproducciones de la escultura “El desconsol”, de Josep Llimona.

Cuando pensamos en Corea del Sur lo primero que imaginamos son coches y telefonía móvil; en cambio, nuestra imagen de Corea del Norte es la de un país comunista que hace ensayos de armamento nuclear. Esto es solo la punta del iceberg y las fotografías del surcoreano Noh Suntag nos descubren más sobre dos países olvidados por los medios.

Nacido en Seül en 1971, Noh Suntag es uno de los fotógrafos más destacados de su país. La muestra de La Virreina (hasta el 24 de enero) es su primera gran exposición en España y recoje casi 200 instantáneas realizadas en siete años de trabajo (2000-2007).

“Noh Suntag: Estado de excepción” trata las semejanzas y diferencias de Corea del Norte y Corea del Sur, donde el día a día de ambos países se caractariza por manifestaciones contra el regimen autoritario de Kim Jong-il y los festivales comunistas en el norte o contra las bases militares norteamericanas y la represión policial en el sur.

En los últimos cien años, Corea fue invadida por Japón durante 35 años (1910-1945), sufriendo después los estragos de la Guerra de Corea (1950-53), una guerra civil que dividió el territorio en lo que hoy se conoce como Corea del Norte (comunista) y Corea del Sur (república presidencialista). Solo echando de menos este poco de información y la explicación de quien són algunos personajes citados a lo largo del recorrido, la muestra es 100% recomendable.

Iguapop Gallery presenta la obra de dos mujeres artistas con una obra muy diferente, dentro de las corrientes contemporáneas relacionadas con el arte pop. Hasta el 13 de septiembre podemos ver la doble exposición de Pepa Prieto (Granada, 1974) y Tara McPherson (San Francisco, 1976). Ambas artistas muestran su mundo interior y sus experiencias a través de su obra, aunque a partir de diferentes puntos de vista.

Tara McPherson nos muestra las relaciones personals y la inocencia que queda en cada uno de nosotros cuando somos adultos. A partir de retratos (casi siempre femeninos) con un punto de inocencia y otro que nos perturba de esta tranquilidad. A parte del soporte en forma de cuadro, McPherson es reconocida por haber hecho posters y diseños para diferentes grupos de música como Beck, Green DayDeath Cab for Cutie, entre muchos otros. Está dentro de la corriente conocida como Surealismo Pop, del que también participan Mark Ryden o Sergio Mora. o

Pepa Prieto nos explica sus experiencias a partir de un mundo lleno de fantasia y color, en el que destacan las dos dimensiones. Su obra nos recuerda a los dibujos hechos por adolescentes, de trazo sencillo, pero a la vez de gran complejidad en la composición. Además, nos habla de los sentimientos más profundos, a parte de las representaciones naïf de la naturaleza. Su obra está relacionada con tendencias americanas actuales, la cultura del skate y el folk, como también lo son Geoff McFretidge y Genevieve Gauckler.

Durante el Salón de Otoño de 1905 celebrado en París, el crítico de arte Louis Vauxcelles paseaba por la sala VII del Grand Palais. Una escultura de estilo renacentista estaba rodeada por cuadros de colores intensos, aplicados de manera casi violenta sobre el lienzo. “Donatello chez les fauves” -Donatello entre las fieras-, dijo. Y así es como el grupo de artistas entre los que se cuentan Matisse, Derain, Vlaminck, Dufy y Bracque adquirieron el nombre de fauvistas.

Desde principios de julio el CaixaForum expone más de 80 obras de Maurice de Vlaminck (1876-1958), uno de los principales integrantes del grupo. Las obras delimitan el periodo de 1900 a 1915, momento de absoluta experimentación del artista francés. Al observar sus cuadros nos vienen a la mente las influencias del grupo de los fauves como el postimpresionismo de Van Gogh y Gauguin o el puntillismo de Signac y Seurat. Hay cuadros donde predominan los ángulos rectos, y los colores más apagados con un predominio del gris, recordándonos otros artistas como Bracque o Cézanne. Y los rojos en contraste con el verde o el violeta, sumados a la superposición de planos, nos transportan al universo de Matisse.

Si sólo nos quedamos con esta idea, podemos llegar a pensar que Vlaminck no aporta nada nuevo. De una obra a la siguiente, la exposición nos presenta a Vlaminck de esta forma: parecido a Van Gogh, parecido a Matisse, parecido al cubisme de Cézanne. El caso es que los fauvistas fueron un grupo totalmente innovador, donde sus componentes se influenciavan los unos a los otros. Rechazados por el público y por la Académia de Bellas Artes, fueron tachados de ‘salvajes’, encontrándose en una situación muy parecida a la que sufrieron los impresionistas la década anterior.

El CaixaForum nos ofrece la oportunidad de ver Vlaminck en nuestro país por primera vez, continuando su labor de presentar de manera sencilla los artistas de principios del siglo XX. Esta voluntad mejoraria explicando al público la complejidad del panorama artístico de entonces, de como surje el fauvismo y en que consiste. Ahorrándolo, nos perdemos en un mar de colores y pinceladas vibrantes que nos recuerdan a lo que ya conocemos.

Paseando entre tiendas, un helado en la mano y una bolsa en la otra, de repente levantas la vista y hay alfombras con dibujos de Eva Armisén colgadas de las paredes. Que pasa en L’Illa Diagonal?

Estos días y hasta el 5 de julio se celebra L’Illa d’art 2009, con la colaboración de la Galeria Safia de Barcelona. Exponen 27 jóvenes artistas con fotografias, pinturas y esculturas, entre los que se cuentan Jordi Pintó, Vanessa Linares, Michelle Concepción o Cristina Cabané.

El arte que no se ve en los museos se encuentra en el pasillo de un centro comercial. Puede parecer frívolo colocar una exposición entre tiendas, pero es una manera eficaz de acercar el arte al gran público, ya que casi todos se paran a mirar una u otra obra de las que hay colgadas en los soportes en forma de cubo. Todas las piezas que se exponen estan a la venta, y un catálogo en DVD muestra el proceso creativo de cada uno de los artistas.

Seguro que alguna de las obras quedaría perfecta en algún rincón de casa. ¿Te animas a comprar arte?

Exposición: Kiki Smith – Her Memory
Artista: Kiki Smith
Fechas: Del 20/02 al 24/04 de 2009
Localización: Fundació Miró de Barcelona

La Fundació Miró de Barcelona expone del 20 de febrero al 24 de mayo, la obra “Her Memory”, de la artista alemana Kiki Smith (1954 Nuremberg, Alemania).
La muestra ha sido organizada en colaboración con el Museum Haus Esters de Krefeld y la Kunsthalle de Nuremberg. La ciudad de Barcelona es la última parada del itinerario, en el cual la obra se ha ido adaptando a los diferentes espacios donde se ha expuesto.

El visitante se encontrará con una serie de instalaciones hechas con obra reciente de la artista, ocupando las distintas salas. Smith trata casi todas las técnicas, por lo que se pueden ver desde dibujos, pasando por esculturas, fotografías, pintura sobre cristal…
Se trata de una gran obra de arte, ya que cada sala es una pequeña parte del todo. Tiene una gran carga poética por sí misma, manteniendo el estilo más característico de Kiki Smith, entre naïf y artesanal. La artista se refiere en numerosas ocasiones a distintos momentos de la historia del arte, como puede ser el arte clásico y del Renacimiento, con el tema de las sibilas, o del Barroco, con espejos y la gran cantidad de flores y elementos dorados, y el claroscuro.

“Her Memory” es una exposición intensa que invita a reflexionar sobre nuestro paso por el mundo de una forma muy poética. La organización y la información de la misma, está muy bien resuelta. El espectador transcurre entre las salas de una manera natural, avanzando i comprendiendo poco a poco y fácilmente el vínculo que une las diferentes salas y los elementos que se encuentran en cada una de ellas.